Das Line Up:
- Die Apokalyptischen Reiter
- Dark Tranquillity
- Skyclad
- Rotting Christ
- Adorned Brood
- All We Hate / Guerrilla
- Blood Red Angel
- Dark Age
- Debauchery
- Elvenking
- Excrementory Grindfuckers
- Folkedudl / Chainheart
- Grailknights
- Gun Barrel
- Hate Factor
- Insignium
- Jack Slater
- Motorjesus
- Orphan Hate
- Persefone
- Raintime
- Synasthasia
- Van Canto

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Halt! Das ist noch nicht alles! Im Vorfeld des Dong Open Airs wird unter dem Motto “The Brutal Way” am 24.04.2010 die Dong Open Air Warm-Up Party im Bollwerk 107 in Moers stattfinden. Dort habt ihr die Möglichkeit Bands wie Maroon, Hackneyed, Grind Inc., Crosshead und einige weitere live zu erleben. Mehr Infos findet ihr demnächst unter den oben genannten Links.

Massive Attack – Heligoland

Anzahl der Tracks: 10 + 6 (in der bei iTunes erhältlichen Deluxe Box Edition, vornehmlich Remixe bereits auf dem regulären Album enthaltener Titel)

Gesamtlaufzeit der Standard Version: ca. 53 Min.

Massive Attack ist eine meiner absoluten musikalischen Lieblinge, wenn nicht sogar mein absoluter Favorit. Aus diesem Grund freue ich mich natürlich immer immens, wenn die Band endlich wieder neues Material veröffentlicht und die oftmals viel zu lange Wartezeit ein Ende hat. Gerade die Wartezeit auf das aktuelle Album wurde immer schlimmer, gab es doch lange Zeit überhaupt keine Meldung ob die Band noch mal in absehbarer Zeit ein Album aufnehmen würde. Mit der „Splitting The Atom“ EP Ende letzten Jahres gab es dann wieder Hoffnung am Horizont und so sehnte ich den Tag herbei, an dem ich hoffentlich ein zweites „Mezzanine“ in meinen Händen halten könnte. Die 1998 erschienende dritte Platte der Band ist für mich immer noch eine Offenbarung und die bis dato beste Platte der Trip-Hop Pioniere. Dieses düstere, sehr intensive und fast schon wabernde Album ist genau der Sound den ich damals gesucht habe und nun jedes Mal aufs Neue von Massive Attack erhoffe. Dass „Mezzanine“ sicherlich ein Ausnahmealbum war, für die Band aber auch im Allgemeinen, macht die Sache natürlich nicht leichter für mich bzw. für meine Erwartungen an ein neues Album.

Nachdem ich dann aber im letzten Jahr die vorgeschobene „Splitting The Atom“ EP hörte, war ich frohen Mutes „Heligoland“ könnte der erhoffte Nachfolger meiner persönlichen Lieblingsplatte werden. Jetzt, wo ich genügend Zeit hatte mir das neue Machwerk von Robert Del Naja und Grant Marshall anzuhören, bin ich nicht ganz sicher wie ich es bewerten soll.

Zehn Songs haben es auf das Album geschafft, welches mit etwa 53 Minuten sich mehr der Länge der beiden ersten Alben annähert. Insgesamt sechs Gaststimmen haben Del Naja und Marshall für das neue Werk eingeladen und bieten eine sehr große Bandbreite an Stimmungen und Klängen an. Die beiden Gehirne hinter Massive Attack, Del Naja und Marshall, wollten, dass auf dem neuen Album der Sound natürlicher klingen sollte, so dass die Instrumente die man hört auch wirklich eben diese sind und keine computergenerierten Instrumente. What you hear is what you get, war die Devise, weshalb das Album einen sehr außergewöhnlichen Klang für eine Massive Attack Platte besitzt. „Mezzanine“ und „100th Window“, die beiden letzten Studioalben, waren sehr geprägt von elektronischen Klängen und Spielereien mit wabernden Klanglandschaften. “Heligoland” hingegen bietet eine Vielzahl unterschiedlicher Sounds an, was in meinen Ohren fast wie ein inoffizielles Best-Of der Band klingt.
Direkt der erste Track auf der CD – „Pray for Rain“ – mit dem „TV On The Radio“ Sänger Tunde Adebimpe ist eine Mischung aus Massive Attack typischem langsamen Gesang und gar untypischem klarem Trommelsound. „Splitting The Atom“ wird ganz von Grant Marshalls tiefer dubbiger Stimme getragen und nähert sich mit den Passagen von Del Naja und Massive Attack Veterean Horace Andy verdächtlich dem Sound von „Mezzanine“. Gerade genannter Horace Andy ist es auch, der alleine bei „Girl I Love You“ singt und sogar noch einen Schritt weiter in Richtung „Mezzanine“ geht, wobei die hier zum Einsatz kommenden Hörner etwas untypisch sind, jedoch eine sehr dramatische Stimmung heraufbeschwören. Eines der Highlights auf der „Splitting The Atom“ EP war in meinen Ohren der Remix von „Psyche“, weswegen ich natürlich sehr gespannt war, wie er denn nun „richtig“ klingt. Zu meinem Erschrecken musste ich feststellen, dass er gar nicht meinen Geschmack getroffen hat. Viel zu hektisch zuckelt hier ein Synthiebeat hin und her und nimmt dem tollen Gesang von Martina Topley-Bird jedes Gefühl von Getragenheit, dass dieser eigentlich verdient hat. Ebenfalls neu im Kreis der Kollaboratoren Massive Attacks ist Guy Garvey, welcher bei „Flat Of The Blade“ seine Stimme von einigen Hörnern und einem arg einfallslosen Metallgezierpe untermalen lässt. „Paradise Circus“ mit der sanften Stimme von Hope Sandoval orientiert sich meinen Ohren nach eher an den beiden ersten Alben und ihrem etwas munterem Sound, als mit Andy Vowles das Element des Hip-Hop noch richtig im Bandsound vorhanden war. Der einzige Track der mich richtig erschrocken hat – und das nicht im positiven Sinne – war „Saturday Come Slow“ mit einem sehr trägem Damon Albarn. Dessen Stimme ist meines Erachtens nach eh besser bei Blur und Co aufgehoben als in einem Song von Massive Attack, so dass leider eben genannter Samstag mehr als langsam vorbeizieht und sich eher wie ein Sonntag anfühlt. Zum Glück gibt es zum Ende mit „Atlas Air“ jedoch wieder einen tollen Song, der meine Fanseele wieder mit der Band und auch dieser Platte vereint. Mit diesem Song schlägt Robert Del Naja gesanglich und musikalisch die Brücke zwischen „Eurochild“ und „Antistar“ vom letzen Album.

Fazit:
Mein Text scheint mir, nun wo ich ihn noch mal querlese und überdenke, ziemlich harsch und negativ zu klingen. Das Album wird sicherlich nie meinen Favoriten „Mezzanine“ überholen, doch hat es sich mittlerweile seinen Platz in meinem Herzen verdient. Gerade diese sehr ungewohnte Mischung an ganz unterschiedlichen Sounds, welche mich erst etwas abschreckte, macht nun seinen Reiz für mich aus. So bietet jeder Song eine ganz eigene Atmosphäre und ist wie auch „Mezzanine“ viel mehr Sammlung einzelner Songs und Stimmungen anstatt ein stromlinienförmiges Kompaktalbum. Das wird nicht jedem Fan gefallen, doch sollte man diesem Album Zeit geben sich festzusetzen und lieber die CD ein paar Tage bei Seite legen um sie später neu zu erhören, anstatt sie direkt aufzugeben. Dafür hat sie zu viele gute Seiten, als dass ein Damon Albarn oder ein zu schnelles „Psyche“ einem den Genuss dieser Platte madig machen sollten. Menschen die bisher noch nie mit Massiv Attack in Kontakt gekommen sind, oder sie nur sehr partiell aus Werbung und Film kennen, sollten sich auf eine experimentell klingende Mischung aus Elektronik, einfachen Instrumenten und tollem bis ungewöhnlichen Gesang einstellen. Ich rate somit definitiv zum längeren Probehören.

Hörempfehlungen:
- Pray For Rain
- Splitting The Atom
- Girl I Love You
- Paradise Circus
- Rush Minute
- Saturday Come Slow

Links:
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Massive Attack – Splitting The Atom

Massive Attack – Flat Of The Blade

Chris Hülsbeck – Symphonic Shades:

Chris Hülsbeck: Symphonic Shades – The Great Giana Sisters:

Als Bonus gibt es noch den Link zu einem Interview von 3sat mit Chris Hülsbeck!

Wie immer war es reiner Zufall, dass ich auf Ewa Farna und ihre Musik gestoßen bin. Am Silvesterabend fand im polnischen Łódź im Auftrag von TVP2 eine Silvesterfeier auf dem Plac Wolności (Platz der Freiheit) statt, wie man sie jedes Jahr in einer um Längen schlechteren Variante auf RTL2 am Brandenburger Tor sehen kann. Diese Veranstaltung lief auch in unserem heimischen Fernseher während man gemeinsam am Tisch saß, um das Jahr 2009 zu verabschieden. Nach wenigen Minuten war ein neuer Ohrwurm für mich gefunden und die Künstlerin Ewa Farna war von da an auf meinem Radar, denn bei dieser Feier spielte sie ihre Singleauskopplungen “Cicho” und “Dmuchawce, latawce, wiatr” zum im Polen aktuellen Album “Cicho”. Allein “Cicho” reichte aus, um mich zu begeistern und mir zu veranschaulichen, dass in der 16 jährigen eine kräftige und gute Stimme steckt und nicht ein durch einen Hype als Talent angesehene untalentierte Dame, wie man es des Öfteren in unseren Landen hören muss. Kaum war das Jahr 2009 vorbei ging es ins Netz, um mehr über sie und ihre Musik zu erfahren. Zum Glück besaß einer unserer Gäste sogar die polnischen Alben von Ewa Farna, um nun diesen Text in die Tat umzusetzen.

Ewa Farna wurde 1993 in Třinec geboren und lebt nun im tschechischen Teil von Vendryně, Tschechien am Rande der Schlesischen Beskiden. Daheim spricht sie einen schlesischen Dialekt namens Gwara cieszyńska und sonst wie auf der Bühne sowohl in Interviews wechselt sie je nach Region ins rein Tschechische bzw. Polnische. Schon recht früh bemerkte man ihr Talent für Musik als auch Sport und so nahm sie nicht nur vermehrt erfolgreich an musikalischen Talentwettbewerben teil, sondern landete nach einer musikalischen Pause von Gesang und Klavier im Sportclub SKI Beskyd in dem sie auf den Slalom und die Abfahrt spezialisierte. Mit 11 Jahren gewann sie mehrere Gesangswettbewerbe und einer ihrer Auftritte in Havířov, Tschechien brachte ihr die Aufmerksamkeit des polnischen Produzenten, Komponisten und Texters Leszek Wronka ein. Mit seiner Hilfe nahm sie Demomaterial auf, dass dem tschechischen Ableger der Universal Music Group zugespielt wurde. Für mehr Aufmerksamkeit sorgte sie in der polnischen TV Sendung “Szansa na sukces” (Die Chance auf Erfolg) einer kleinen Variante von “Popstars” und Co. ohne dem großen Hype und einem riesigen Casting. In dieser Sendung singen Amateure Songs von bekannten polnischen Musikern, die in der Folge als Jury vor Ort sind. Als Gewinn darf der Sieger an einer Finalshow in Warschau mit den anderen Siegern der einzelnen Folgen teilnehmen. Wer dort das Finale erfolgreich verlässt bekommt dann die Möglichkeit am Festiwal Piosenki Polskiej im oberschlesischen Opole (zu deutsch Oppeln) teilzunehmen, wo namenhafte Künstler zu sehen sind und auch vier Wettbewerbe stattfinden, worunter auch einer für Debütanten fällt. Ewa trat in der Sendung mit dem Song “Za młodzi, za starzy” (Zu jung, zu alt) von Jacek Cygan auf und durfte sich in der Finalshow auf einen gemeinsamen Auftritt mit Ryszard Rynkowski, Jacek Cygan und Piotr Rubik freuen. 2006 mit 13 Jahren erschien über den tschechischen Ableger der Universal Music Group ihr erstes Album namens “Měls mě vůbec rád”, dass die Spitze der Verkaufscharts erklomm und zudem Platin einspielte. Eine Besonderheit an diesem Album war der einzige polnische Song auf dem Album namens “Tam gdzie ty”, der ein Cover von Avril Lavigne’s “I’m With You” ist. Es folgten mehrere Auszeichnungen, steigende Popularität in Tschechien und der Slowakei und 2007 das zweite Album namens “Ticho”, dass auch mit Platin ausgezeichnet wurde. 2007 fiel dann auch die Entscheidung die bereits in Tschechien bekannten Alben für den polnischen Markt anzupassen und somit auf Polnisch neu einzusingen. So erschien im selben Jahr das Debütalbum “Měls mě vůbec rád” in Polen als “Sam na Sam” (Unter vier Augen). Danach war auch die erste DVD fällig, die den Namen “Blíž ke hvězdám” trägt und ihr Konzert vom 17.06.2008 in Prag beinhaltet. Die DVD war die meistverkaufteste DVD in Tschechien des Jahres 2008. 2009 ging es auf dem polnischen Markt weiter mit der polnischen Variante von “Ticho” namens “Cicho” (Stille). “Cicho” wurde auf dem Festiwal Piosenki Polskiej im oberschlesischen Opole als Album des Jahres 2009 ausgezeichnet und der Song “Cicho” bekam den Titel polnischer Sommerhit des Jahres 2009 auf dem Sopot Hit Festiwal in Sopot. Mit “Virtuální” dem dritten Album von Ewa Farna gab es nach zwei Jahren endlich neues Material für die Tschechische Fangemeinde und dieses soll unter dem Namen “Wirtualni” (Virtuell) 2010 auch auf dem polnischen Markt erscheinen. Bis heute hat sie 12 Singles in Tschechien und 4 in Polen veröffentlicht.

Die Musik von Ewa Farna orientiert sich an Künstlerinnen wir Avril Lavigne, Kelly Clarkson oder der ehemaligen polnischen Band Virgin aus der Sängerin Dorota “Doda” Rabczewska herausgegangen ist. Es ist halt die typische Pop Rock Mischung, die diese Künstlerinnen inne haben, die man auch bei Ewa Farna wiederfinden kann. Dennoch sehe ich ihre musikalische Entwicklung sehr positiv, denn anstatt wie Avril Lavigne immer poppiger zu werden wird die Dame immer rockiger, auch wenn die Pop Elemente in diesen Songs nicht ausbleiben. Wer mit der Musik der oben genannten Damen was anfangen kann wird sicherlich was positives aus Ewas Musik ziehen. Was den Unterschied zwischen den tschechischen und polnischen Versionen angeht muss ich sagen, dass mir die polnischen Versionen ihrer Songs mehr zusagen, weil diese in meinen Ohren melodiöser klingen. Als bestes Beispiel muss ich hier den Song “Ticho” bzw. “Cicho” erwähnen, denn diese unterscheiden sich schon sehr. Klar es ist die selbe Melodie und Gesangslinie, aber nur “Cicho” bleibt mir hängen und zählt für mich als der beste Song von Ewa. “Ticho” kommt im Refrain nicht mal annähernd an die polnische Version heran. Das ist zwar nicht durchweg der Fall auf ihren Alben, aber ein Grund sich über den Fakt zu freuen, dass sie ihre Alben in zwei Sprachen veröffentlicht. Einzig das aktuelle Album “Virtuální” klingt im tschechischen Original richtig gut und macht schon Lust auf den anstehenden Vergleich mit der in diesem Jahr erscheinenden polnischen Version “Wirtualni”. Außerdem ein sehr positiver Fakt ist, dass bis heute ihre Alben immer besser geworden sind und mehr Ohrwürmer bieten als der jeweilige Vorgänger. Natürlich liegt für mich der Reiz ihrer Musik an der Tatsache, dass man sie in Polnisch und Tschechisch genießen kann, aber das ist nicht der ausschlaggebende Grund ihre Musik zu hören. Es ist natürlich ihre kraftvolle Stimme, die mit viel Druck daherkommt und vor allem in den Höhen sehr überzeugt. Auch in ruhigen Momentan kann sie mit einer ruhigen und sanften Stimme punkten.

Ich bin wirklich der Meinung, dass in der Dame noch viel mehr steckt, was sie über die Jahre aus sich heraus kitzeln kann, sofern sie nicht einen anderen musikalischen Weg einschlägt. Mit jungen 16 Jahren ist der Gipfel des Berges sicherlich noch nicht erklommen und deswegen bin ich guter Dinge, dass man noch weitere gute Alben erwarten kann mit vielen Ohrwürmern, die einen begeistern. Wer weiss vielleicht gibt es ihre Musik in Zukunft auch in Englisch. Wie oben schon erwähnt, wer auf die Musik von Avril Lavigne, Kelly Clarkson und Co. steht sollte mal schauen, ob er irgendwo die Möglichkeit findet in Ewas Alben reinzuhören. Auch jeder der auf eine charttaugliche Pop Rock Mischung steht sollte sich mit ihrer Musik befassen. Ich warte derweil auf “Wirtualni” und höre bis dahin weiter die Vorgänger.

Hörempfehlungen:
- Cicho (Ticho)
- (Toužím)
- Poznasz mnie, bo to ja (Nemám na vybranou)
- Ja chcę spać (Jen spát)
- (Maska)
- Bez ciebie (Bez tebe to zkouším)
- (Na tom záleží)
- Tam gdzie ty
- Już dorośnij! (Z bláta do louže)
- (Obrazová víla)
- (Břehy ve tmách)
- Ogień we mnie (Ponorka)
- Dokąd nas niesie (Něco nám přejte)
- Nie chcę się bać (Nebojím se)
- S.O.S! Pomocy!
- Tam gdzie nie ma dróg (Zapadlej krám)
- Zamknij oczy (Zavři oči)
- La la laj (La la laj)

In Klammern befinden sich die tschechischen Originale!

Links:
Offizielle tschechische Seite
Offizielle polnische Seite
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Ewa Farna – Cicho:

Ewa Farna – Ticho:

Ewa Farna – Toužím:

Ewa Farna – La La Laj:

Ewa Farna – Dmuchawce, Latawce, Wiatr:

Ewa Farna – Tam gdzie nie ma dróg:

Ewa Farna – Cicho (Sylwester w Lodzi – Live):

Die Anfänge der Band reichen bis in das Jahr 2005 oder 2006 zurück als Colleen D’Agostino (Gesang) im ihrem dritten Jahr ihres Musikstudiums an der San Diego State University zusammen mit Jon Moreaux (Gitarre) und Noah Vowles (Schlagzeug) anfing Musik zu machen. Die Arbeiten für ihr erstes Demo begannen mit dem Einstieg von Kevin Falk (Bass), der aber nach kurzer Zeit durch Brian Miller ersetzt  wurde. Dazu bekam Jon Moreaux mit Roi Elam (Gitarre) Unterstützung bei der Gitarrenarbeit. Mit diesem Lineup ging es dann auch 2007 ins Studio, um die erste EP namens “Tomorrow” einzuspielen, die sechs Songs umfasst und im September des selben Jahres auf iTunes veröffentlicht wurde. Diese EP zeigte bereits damals welches Potenzial in der Band steckt und woran der Reiz an ihrer Musik festzumachen ist. Dies brachte ihnen über die Jahre mit der einen oder anderen Tour nicht nur den dritten Platz in MTV 2’s Dew Circuit Breakout ein, sondern auch die Aufnahme ihres Songs “Moving To Seattle” in den Download Content des Videospiel “Rock Band” und die Verwendung ihrer Songs in der MTV Serie “The Hills” und der Webserie “Sorority Forever” auf TheWB.com. In dieser Zeit wurde als neuer Bassist Dustin Sherron vorgestellt, der somit das aktuelle Lineup komplett machte. 2009 ging es für den flotten Fünfer aus San Diego wieder ins Studio, um die drei Songs umfassende EP “To Weather The Storm” aufzunehmen und am 16.06.2009 als digitalen Download per iTunes und Amazon unters Volk zu bringen. Zwar liefer die EP nur drei Songs, aber dafür zwei sehr gute Ohrwürmer namens “Unforgivable” und “Give It All Back”, die für mich zu den besten Songs der Band gehören. Danach ging es für die Band nach Portland, Oregon, um neues Material zu schreiben. Aktuell bereist die Band sporadisch die Lande, plant ihre Frühjahrstour und die Veröffentlichung des ersten Albums. Man kann also gespannt sein!

In Sachen Musik toben sich The Material im Bereich Alternative Rock und Post-Punk aus, wobei ich in dieser Mischung auch ein wenig Pop-Punk herausschmecke und man ihnen die Ähnlichkeit zu VersaEmerge und Paramore nicht absprechen kann. Somit ist klar, dass The Material einiges bietet, um durch den Raum zu springen oder den Kopf im Takt zu wippen. Denn wenn die Dame und Herren mal in die Saiten hauen, dann reissen sie einen mit und das ohne Rücksicht auf Verluste. Den besonderen Reiz macht aber für mich in erster Linie die Kombination aus guten Riffs und dem Gesang von Colleen D’Agostino aus, denn sie klingt im Direktvergleich mit den Sängerinnen der bereits genannten Bands um einiges höher und hat somit einen ganz anderen Charme inne. Schließlich liefert sie eine komplett andere Klangfarbe ab, was zu den Songs von The Material wie die Faust aufs Auge passt. Sind es die ersten Zeilen von “The Promise”, der Refrain von “The Truth About Reality” oder “Unforgivable” oder die wundervollen ruhigen Passagen wie im Song “Give It All Back” ihre Stimmte gibt diesen Stellen einen Reiz dem ich mich nicht entziehen kann. Generell klingt ihr Gesang sehr gut und überzeugt durchweg, aber diese Songs und Momente gehören zu den Highlights des aktuellen Schaffenswerks dieser Band. Zwar hauen mich nicht alle Songs von Anfang bis Ende aus dem Hocker, was ganz selten zu einem Hangeln von Moment zu Moment führt, aber dennoch bin ich sehr angetan von der Band und hoffe, dass sie ihren Weg weiter geht und eventuell die eine oder andere Ballade mehr in ihr Programm aufnimmt. Von mir aus kann es auch eine reine Akustik-Ballade sein, denn dort wird D’Agostinos Gesang sicherlich strahlen und verzaubern.

Im Ganzen ist The Material eine Band, die man weiterhin im Auge behalten sollte, denn sie ist bereits jetzt ein Geheimtipp und kann sogar mit ein wenig Feinschliff zu einem wahren Highlight werden. Dafür hat sie bereits einige gute Songs und Ohrwürmer mit guten Riffs und einer charmanten Stimme im Gepäck, die einen mitreissen und sich nicht so schnell abnutzen. Wenn davon noch mehr in Zukunft entstehen und letzten Endes auch das erste Album füllen, werden sie sicherlich ganz oben mit den größeren Bands schwimmen und wir werden eventuell auch auf unseren heimischen Sendern was von ihnen zu sehen und natürlich auch zu hören bekommen. Ich drücke ihnen auf jeden Fall die Daumen und warte bereits jetzt schon gespannt auf neues Material von The Material.

Hörempfehlungen:
- Unforgivable
- Give It All Back
- The Truth About Reality
- The Promise
- With One Voice
- Moving To Seattle
- No One Has To Know
- The Long Way Home
- Before This Ship Goes Down

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Colleen D’Agostino’s Twitter Account
Jon Moreaux’s Twitter Account
Noah Vowles’ Twitter Account
Roi Elam’s Twitter Account
Dustin Sherron’s Twitter Account

The Material – The Truth About Reality:

The Material – The Promise (Live):

The Material – Moving To Seattle (Live):

The Material – No One Has To Know (Live):

The Material – Moving To Seattle (Rock Band / Live):

Mein Weg mit der Musik der damals fünfköpfigen Band began im Juni 2003. Schon damals hielt ich oft Ausschau nach hier unbekannten Bands, die früher oder später ein heißes Eisen in meinem Freundeskreis sein könnten. Dabei stieß ich nicht nur über die Jahre auf Bands wie Cold, Boy Hits Car, Burn Season, Allele, Finger Eleven, Motograter, Nothingface, Pressure 4-5, Pumpjack, Default, Dry Kill Logic, Miseryhead, Submersed, Ra, Stereomud, Sevendust und viele viele andere, sondern auch auf Revis und das durch ein Video Werbebanner zur Single “Seven”. Der Song war direkt nach wenigen Sekunden als Ohrwurm gebranntmarkt und das Album musste her und zwar schnell! Von da an lief nichts anderes mehr in meiner Anlage, sodass ich mich noch gut daran erinnern kann wie ich und ein Kollege das Album direkt mehrmals hörten, bevor wir den Weg zu unserem Abiball antraten samt Begleitung und auch Monate später bei meiner privaten Weihnachtsfeier bei mir, kein anderes Album die Feier begleitete. Seitdem höre ich das Album mindestens 5-10 Mal im Jahr, weil es mit zu den besten Alben aller Zeiten für mich gehört.

Die Anfänge der Band gehen bis ins Jahr 1999 zurück, wo sich fünf Herren zusammenschlossen, um als Orco die Bühnen der Welt zu erobern und Anfang 2000 die heimischen Clubs bespielte. Nach einem Bassistenwechsel ging es gestärkt durch die lokale Anhängerschaft ab nach Los Angeles im Juli 2001. Dadurch war das finale Line-Up komplett und bestand bis zum bitteren Ende aus Justin Holman (Gesang), Robert Davis (Gitarre), Nathaniel Cox (Gitarre), Bob Thiemann (Bass) und David Piribauer (Schlagzeug). In L.A. verlief es weniger schön für die Herren, denn sie verloren schnell ihre Bleibe in L.A. und ihr damaliger Manager war nicht so zuverlässig wie man sich dachte. Durch den neuen Manager John Zagata kam Leben in die Runde und die Band nahm mit den Produzenten Tommy Hendrickson und Jeff Tilson ein Demo auf, dass die Songs “A Gift,” “Seven,” und “Straight Jacket Labels” umfasste und positiv von Plattenfirmen aufgenommen wurde. Durch den aufkommenden Erfolg folgten direkt zwei weitere Aufnahmen – die Demos von “Caught In The Rain” und “Spin”. Der Januar im Jahre 2002 brachte auch das Ergebnis des Erfolgs, denn sie unterschieben bei Epic Records, um ihr Debütalbum aufzunehmen. Neben einigen Demosongs wurden während den fünf Aufnahmenwochen auch einige neue Songs geschrieben. Zudem musste die Band auch noch ihren Namen in Revis umändern, da bereits eine andere Band seit Jahren diesen Namen ihr Eigen nannte. Der Name der Band Revis kommt von einem ihrer engsten Freunde und Gitarrentechniker Jason Revis, der unbezahlt seit der Gründung ihnen zur Seite stand. Am 20.05.2003 war dann so weit, denn mit “Places For Breathing” wurde ihr Debütalbum veröffentlicht und in ihrer Heimatstadt wurde der 19.05.2003 zum offiziellen Revis Day erklärt. Das Album debütierte auf Platz 1 der Billboard’s Heatseekers Charts und erreichte als Höchstplatzierung in den Billboard Top 200 Platz 115. Ihre einzigen Singles “Caught In The Rain”, der auch auf dem Daredevil Soundtrack zu finden ist, und “Seven” wurden zu Radio Rock Hits und wurden zudem durch Touren mit Oleander, Pearl Jam, Evanescence, Fuel, und Cold, um so öfter gespielt. 2004 folgte das zweite Demo und leider auch das Ende bei Epic Records und auch mit ihrem kompletten Management im Rücken, trotz steigender Popularität. Sänger Holman sieht als Hauptgründe für diesen Schritt schlechtes Management und die Fusion von BMG und Sony. Davis und Piribauer stiegen kurze Zeit danach bei der Band Hensley ein, während Holman und Cox nach Illinois zurückkehrten, um dort neues Material für Revis zu schreiben. Im August 2005 bestätigte Holman, dass er und Produzent Tommy Hendrickson bereits an 12 – 15 Songs mit Namen wie “New Ways”, “Red Letter Day” und “Taste In The Fleash” arbeiteten und zudem Ungewissheit herrschte in Sachen einer neuen Plattenfirma oder anstehender Konzerte. Das Ende für die Band wurde kurze Zeit später bestätigt. Seitdem waren Davis und Cox in der Band Maryandi, die später in The Yelling umbenannt wurde, Thiemann in den Bands TJ Brown, Chalk Buddah un einigen weiteren lokalen Bands und Holman in Aujalyn (Echt zu empfehlen!) aktiv.

Was die Musik von Revis angeht muss ich schon gestehen, dass diese nichts besonderes ist, wenn man sich vor Augen hält, dass sie mit der Richtung Post-Grunge zu einem großen Pool von Bands wie Creed, Nickelback, Theory Of A Deadman, Puddle Of Mudd, Staind, 3 Doors Down, Cold oder Three Days Grace gehören. Der Unterschied ist aber, dass sie mit ihrem ersten und einzigen Album ein für mich perfektes Album abgeliefert hat, was nach Stunden und Jahren des Hörens sich noch nicht ausgelutscht hat und noch heute voller Energie strahl, wie es am Tag meines Kaufs tat. Es ist wie ein Best Of der genannten Bands und das Ganze nochmal hoch zwei, denn wir wissen ja, ein guter Nickelback Song funktioniert immer und das auch bei der tausendsten Kopie. Auch das Mischverhältnis aus ruhigen und rockigen Stellen ist nahezu identisch, aber es liegt in den Song ein gewisses Etwas, dass mich immer wieder vom Neuen begeistert und mich in seinen Bann zieht. Es fällt mir wirklich schwer zu beschreiben, was für mich den Reiz an dieser Band ausmacht. Ist es der gut klingende und sehr passende Gesang von Justin Holman oder die rote Linie aus Ohrwürmern, die sich durch das Album zieht von Anfang bis Ende oder das gut abgestimmte Verhältnis aus ruhigen und rockigen Parts? Ich weiss es echt nicht, aber eins ist für mich seit Jahren klar: Das Album gehört zu den besten Alben aller Zeiten, die ich bis heute gehört habe und das sage ich voller Überzeugung. Das Album lässt mich nicht nur die Augen schließen, um es zu genißen, sondern auch mit förmlich jede Zeile vor Begeisterung mitschreien naja mitsingen und dieses besondere Etwas ist eine wahre Seltenheit, die ich gerne öfter auskosten möchte. Deswegen ist des so schade, dass die Band nach dem ersten Highlight keine weitere Zukunft hatte.

Ein wirkliches Fazit muss ich wohl nicht mehr ziehen, weil noch höher kann ich eine Band und ihr Album nicht loben, aber ich kann sagen, wie einige Demos für das erste als auch das zweite Album klingen. Denn diese tauchen komischerweise seit 2007 vermehrt auf YouTube auf, mit Ankündigungen, dass eventuell mehr kommt und vielleicht noch eine Überraschung für Fans der Band ansteht. Fünf Songs wurden bereits veröffentlicht und ich muss sagen, dass diese bis auf zwei Ausnahmen wirklich gut klingen, auch wenn vermutlich durch den Demo Status der strahlende Funken, den die Band ausmacht, dort zu kurz und die Energie mit leicht angezogener Handbremse daher kommt. Da dies Demos sind kann ich schlecht sagen, ob das zweite Album genauso klasse ausgefallen wäre, wie es beim Debütalbum der Fall gewesen ist. Gewünscht hätte ich es mit aber.

So hier endet nun die musikalische Reise des lachenden Vagabunden und er bedankt sich bei allen, die ihm bei dieser Reise begleitet haben, um die tolle und stellenweise noch unbekannte Welt der Musik da draußen kennenzulernen. Wenn ihr mit den 13 Teilen was anfangen könntet wird er sich sicherlich darüber freuen, auch wenn es am Ende nur das kurze rein Hören war. Ob er euch auch nächstes Jahr mit solch einer Serie beglücken wird steht noch nicht fest, aber ich vermute er zappelt jetzt schon voller Freude euch seine Musik aus allen Ecken des Globus oder aus der für euch unbekannten Musikgeschichte zu präsentieren. Von daher wird man sicherlich nächstes Jahr noch hier und dort von ihm hören. Wann kann ich euch nicht sagen, aber wenn was kommt werdet ihr es hier erfahren. In diesem Sinne goodbye and see you!

Hörempfehlungen:
- Straight Jacket Labels
- Spin
- Caught In The Rain
- Look Right Through Me
- Seven
- Your Wall
- Living Rooms
- From That Point On
- Everything After
- Re Use
- A Gift
- Places For Breathing
- City Beneath
- New Ways
- Hollow Days
- Red Letter Day

Links:
Offizielle MySpace Seite

Revis – Caught In The Rain:

Revis – Seven:

Revis – Straight Jacket Labels (Live):

Revis – From That Point On:

Revis – New Ways:

Revis – Red Letter Day:

Nylithia – Super Mario Castle Theme (Cover):

Die Musik von はっぴいえんど höre ich bereits seit 2007 und das noch heute sehr sehr gerne. Auf die Band aufmerksam geworden bin ich nicht über einen speziellen Laden für japanische Musik oder irgendwelchen Insidertipps, sondern um ein Vielfaches einfacher, nämlich durch den Film “Lost In Translation” und dem dazugehörigen Soundtrack. Wer über die Anfangsszene mit Scarlett Johanssons Hinterteil hinausgekommen ist wird sich sicherlich noch an die Karaokeszene erinnern, in der Bill Murray sowohl den Nick Lowe Song “(What’s So Funny ‘Bout) Peace, Love And Understanding” als auch den Roxy Music Hit “More Than This” zum Besten gibt und Scarlett Johansson “Brass In Pocket” von The Pretenders. Unter diesem Songpool versteckt sich auch der はっぴいえんど Song “風をあつめて” (Kaze wo Atsumete), der ein wahrer Ohrwurm ist und mit zu den besten Songs des Soundtracks zählt. Da war das Interesse natürlich groß, zu hören ob die Band noch mehr Hits zu bieten hat als diesen. Also ging die große Googlei los und über mehrere Ecken fand ich nicht nur die passenden Amazon Links, sondern auch Playlisten aller drei Alben bei YouTube. Überzeugt vom restlichen Material bin ich seitdem ein Fan dieser Band und freue mich euch diese näher vorzutsellen.

Im Jahre 1969 gründeten die damals 22 und 20 jährigen Haruomi Hosono und Takashi Matsumoto die Folk Rock Band はっぴいえんど. Die Band bestand von ihren Gründungstagen an aus Haruomi Hosono (Gesang, Bass und Keyboard), Takashi Matsumoto (Schlagzeug), Eiichi Ohtaki (Gitarre und Gesang) und Shigeru Suzuki (Gitarre). Wie bereits gesagt endete die Zeit für はっぴいえんど direkt nach drei aktiven Jahren im Jahre 1973. Dabei enstanden die Studioalben はっぴいえんど (Happy End – 1970), 風街ろまん (Kazemachi Roman – 1971) und Happy End (1973), die insgesamt 32 Songs umfassen. Dazu gesellen sich noch fünf Best Ofs, drei Livealben und mehrere Wiederveröffentlichungen. Bei den Livealben handelt es sich immer um Reuniongigs der Band, die leider keine weiteren Studioalben hervor brachten. Nach dem offiziellen Ende der Band im Jahre 1973 widmete sich Hosono Jahre später dem Yellow Magic Orchestra, Matsumoto wurde ein erfolgreicher Songwriter und Suzuki als auch Ohtaki setzten ihre Karrieren als Gitarristen fort.

Diese drei kurzen Jahre reichten aus, um noch heute als eine der einflussreichsten Bands aller Zeiten in Japan zu gelten. Ich vermute es liegt an der Mischung aus der Japanischen Sprache und der sehr durch die damaligen Bands aus den USA und England beeinflussten Musik. はっぴいえんど kann mach problemlos neben die großen Bands der 60er stellen und man würde es ihnen nicht anmerken, dass sie aus Fernost stammen. Das war auch der Hauptgrund, der mich so sehr überrascht und beeindruckt hat. In ihrer Musik findet man Einflüsse von Buffalo Springfield; Crosby, Stills & Nash; America und vielen weiteren, wobei die genannten Bands ihren Stil am besten umschreiben. Vor allem die ruhigeren und folkigen Songs samt der schönen Gesangsharmonien von Hosono und Ohtaki gehören zu den Stärken der Band. Besonders hier springt der Funke für mich über und zieht mich in seinen Bann. Es kommt auch dieses nostalgische Gefühl vergangener Tage auf, die man bei sämtlichen Songs der 60’s verspürt und mit Sehnsucht vermisst. Mal ehrlich wie oft habt ihr euch schon die Frage gestellt, warum es solch eine gute Musik nicht mehr gibt bzw. diese musikalische Epoche nicht länger angedauert hat?
Natürlich lassen es sich die Herren auch nicht nehmen mal ein wenig Mehr in die Saiten zu hauen und sich der rockigen Seite zu zuneigen, die aber nur wenig Gewicht in den Stücken der Band hat.

Wer sich für die bereits genannten Bands Buffalo Springfield; Crosby, Stills & Nash und America begeistern kann und auf eine interessante Japanisch sprachige Erfahrung einlassen möchte, der wird mit はっぴいえんど einen definitiven Geheimtipp entdecken. Generell Fans des Folk Rock werden in ihrer Musik einiges für sich herausziehen und unter Umständen davon für einige Wochen gepackt sein, wie ich es alle paar Monate bin, wenn ich die Songs hoch und runter laufen lasse. Ich kann die Band nur empfehlen und wünsche allen Interessierten viel Spaß mit der Musik von はっぴいえんど.

Nach elf Monaten kommt der lachende Vagabund nun zu seiner letzten Station und diese liegt in den USA. Bevor es in den Flieger geht verabschiedet er sie gewohnt von euch in der lokalen Sprache. さようなら (Sayounara)!

Hörempfehlungen:
- 夏なんです
- 風をあつめて
- しんしんしん
- 風来坊
- 相合傘
- 颱風
- さよならアメリカ さよならニッポン
- かくれんぼ
- はっぴいえんど

Links:
YouTube Playlist mit allen drei Alben

はっぴいえんど – 夏なんです:

はっぴいえんど – 風をあつめて:

はっぴいえんど – しんしんしん:

はっぴいえんど – 風来坊:

はっぴいえんど – 相合傘:

はっぴいえんど – 颱風:

はっぴいえんど – さよならアメリカ さよならニッポン:

はっぴいえんど – かくれんぼ:

はっぴいえんど – はっぴいえんど:

Svavar Knútur – Kvöldvaka

Anzahl der Tracks: 11

Gesamtlaufzeit der Standard Version: ca. 50 Min.

Meine Geschichte wie ich Fan von Svavar geworden bin müsste mittlerweile bekannt sein. Wer es immer noch nicht weiss hier eine kurze Zusammenfassung. Ich hab ihn durch Zufall in der Hamburger Version von Balcony TV gesehen, wo er den wohl besten Song von ihm namens “Undir Birkitré” zum Besten gab. Das reichte völlig aus, um mich für seine Musik zu begeistern. Seitdem kennt man sich durch viele Mails und hat sich sogar in meiner Heimatstadt Duisburg für ein Konzert und zum Plausch getroffen. Ausführlicher geht es natürlich auch, aber das könnt ihr hier nachlesen!

Das Album “Kvöldvaka” entstand durch einen Rat seines Freundes Adalsteinn Ásberg Sigurðsson, der bei der isländischen Plattenfirma Dimma tätig ist, wo auch Svavars Band Hraun bereits ihre Alben veröffentlicht hat. Herr Ásberg riet Svavar seine Songwriterkünste doch mal für sich selber auf einem eigenen Album spielen zu lassen, da er meistens international alleine unterwegs war, um seine Musik und die der Band zu präsentieren. Das Potenzial, dass in ihm noch mehr steckt und dies auch für ein eigenes Album ausreichen würde erkannte er recht schnell und setzte es wie man nun hören kann auch in die Tat um. So singt er nicht nur und spielt Gitarre und Ukulele dabei, sondern auch Melodica und Musiksäge. Um eine besondere Atmosphäre zu erschaffen lud Svavar all seine Freunde zu sich ins Studio, um mit ihnen zu musizieren. Satte elf Mann und Damen haben sich dadurch auf dem Album verewigt. An diesem Tag verbrachte er mit ihnen eine Nacht voller Geschichten, Liedern, Gesang und Besinnlichkeit, was den Titel des Albums “Kvöldvaka” auch perfekt umschreibt. Ein Teil wurde, aber auch nachträglich neueingespielt, wenn es darum ging Gitarrenspuren zu zupfen. Die bereits angesprochene Stimmung ist auch auf der CD sehr spürbar, da es wirklich klingt als würde man mit Svavar und seinen Freunden um ein Lagerfeuer sitzen und musikalisch Spaß dabei haben. Die Songauswahl erstreckt sich über vier bereits bekannte Songs der beiden Hraun Alben “I Can’t Believe It’s Not Happiness” und “Silent Treatment”, die aus Svavars Feder stammen, und natürlich sieben neue Songs, die teilweise auf YouTube und MySpace zu hören sind, aber auf “Kvöldvaka” ihr Debüt feiern. Zum bekannten Material gehören “Emotional Anorexic” auch bekannt als “Silent Treatment”, “Clementine”, “Ease Your Mind” und dem isländischen “Dansa”, die bis auf den letzteren Song zum besten Material von Hraun gehören, aber kommen wir mal zum neuen Material. Besondere Freude kommt bei mir auf, da mein Lieblingssong “Undir Birkitré” (Unter einem Birkenbaum), der mich vor einem Jahr zu Svavars Musik brachte und mich noch heute verzaubert, unter den neuen Songs zu finden ist. Auch “Tiger And Bear” hat sich tief in meinen Gehörgang festgesetzt, der über die bekannten Janosch Figuren Tiger und Bär handelt und deren freundschaftliche Beziehung thematisiert. Mit “Yfir hóla og yfir hæðir”, “Hverjum hefði getað dottið í hug?” und “Draumveran” widmet er sich wie auch in “Undir Birkitré” wieder durchweg der isländischen Sprache, die für mich auch den Reiz seiner Musik ausmacht. Man versteht es nicht, aber man merkt schnell, dass Isländisch vor allem in diesen Songs eine sehr sanfte und gefühlvolle Sprache ist. Den Rest des Albums bewegt er sich wieder in Englisch sprachigen Gefilden und bietet uns durch den Song “Leipzig” eine Stimmungsbombe dar, die auch live die Meute zum Kochen bringt.

“Let’s get fucked up in Leipzig on a sunday night,
let’s get into a fight with Der Polizei.
Let’s get fucked up Leipzig, it’s the place to be,
we’ll pee on a tree and everybody sings.”
Svavar Knútur – Leipzig

So lautet die erste Strophe des Songs, wo er nicht nur eine Erinnerung aus vergangenen Tagen im Osten Deutschlands verarbeitet und mit ihr abrechnet, sondern auch seine Lieblingsstadt Hamburg samt Reeperbahn huldigt. Als letzten Song der Auswahl muss noch “It’s Your Life” genannt werden in dem es wieder ruhiger zur Sache geht.

Der Großteil der Songs sind reine Balladen, die recht melancholisch ausfallen, aber den Träumer in uns anregt sich auf die weite Reise zu machen an Orte, wo das Hier und Jetzt keine Rolle mehr spielen. Einzig “Tiger And Bear”, “Yfir hóla og yfir hæðir” und “Leipzig” brechen aus diesem Schema aus und laden zum fröhlichen und entspannten Mitwippen ein. An sich ist es eine sehr angenehme und fast intime Stimmung, die durch die Songs aufkommt. Vor allem die Momente, wo der Backgroundgesang einsetzt geht die Musik unter die Haut und man hat das Gefühl das gedankliche Lagerfeuer erwärmt einen. Natürlich überzeugt auch Svavar mit seiner schönen gefühlvollen Stimme, aber wirklich besonders wird es, wenn er mit seinen Freunden zum gemeinsamen Gesang anstimmt. Von der ersten bis zur letzten Minute reisst das Album einen mit und muntert zum Mitsingen auf, was vor allem die zahlreichen “La la la” Parts beweisen, die man ohne Isländisch Kenntnisse begleiten kann. Dennoch muss ich sagen, dass ich mit drei Songs nicht ganz warm werde. Das wären “It’s Your Life”, “Draumveran” und “Dansa”. Bei den Songs springt der Funke nicht über und auch die Wirkung ist nicht vergleichbar mit dem Rest des Albums. Trotz der drei Songs kann man problemlos zum Album greifen und sich musikalisch berieseln lassen, um den stressigen Alltag einfach mal zu vergessen und fünf gerade sein zu lassen.

Fazit:
Mir hat das Album sehr gefallen, da es durch die reine Akkustikdarbietung, um einiges schöner und gefühlvoller ausfällt als die Hraun Alben auf denen man mit E-Gitarre und Co an die Songs herangeht. So überraschen auch die bereits bekannten Hraun Songs von neuem in ihrem neuen musikalischen Gewand. Auch wer die MySpace Seite von Svavar kennt wird überrascht sein, weil die dort zu hörenden Songs des Albums Demos oder Pre-Versionen sind, die nicht annähernd an die Wirkung der Albenversionen heranreichen. Alle Träumer unter uns und alle die gerne abschalten wollen, um einfach Ruhe zu haben, sollten zugreifen, denn noch schöner kann das Kopfkinogefühl nicht mehr werden. Selbst Fans von Balladen werden hier auf “Kvöldvaka” ein Highlight nach dem anderen finden, dass sie nicht mehr so schnell loslassen wird. An dieser Stelle vielen Dank bzw. Takk an Svavar Knútur für diese Reise ins Ich und an Adalsteinn Ásberg Sigurðsson für den genialen Ratschlag. Ich warte währenddessen schon auf das dritte Hraun Album, dass ja bereits in Arbeit ist.

Hörempfehlungen:
- Undir Birkitré
- Tiger And Bear
- Yfir hóla og yfir hæðir
- Hverjum hefði getað dottið í hug?
- Emotional Anorexic
- Clementine
- Leipzig
- Ease Your Mind

Links:
Svavar Knútur’s Homepage
Svavar Knútur’s Myspace Seite
Svavar Knútur’s YouTube Channel
Svavar Knútur’s Twitter Account
Hraun’s Homepage
Hraun’s Myspace Seite
Hraun’s Twitter Account
Hraun’s alte Homepage
“Kvöldvaka” auf Bandcamp.com
Dimma

Svavar Knútur – Undir Birkitré:

Svavar Knútur – Tiger And Bear:

Svavar Knútur – Yfir hóla og yfir hæðir:

Svavar Knútur – Emotional Anorexic:

Svavar Knútur – Clementine:

Svavar Knútur – Leipzig (+ Medley):

Svavar Knútur – Dansa:

Bevor das Konzert überhaupt anfangen konnte hieß es für uns erstmal: Wo ist das Café Steinbruch? Trotz einer Beschreibung auf der Homepage des Café’s war anscheinend der Weg zu den üblichen Wegfindungstools im Netz kürzer. Somit war Chaos vorprogrammiert für die Duisburger aus Duisburg, die ihre Heimatstadt an sich kennen sollten. Der Karte im Kopf folgend fuhren wir Hin und Her um festzustellen, dass diese Karte total falsch war. Die Straße war zwar die Richtige, aber der markierte Punkt führte nicht mal annähernd zum Café Steinbruch. Um 19 Uhr losgefahren, rannte uns die Zeit davon bis wir nach einem wiederholten Hin und Her auf die Idee kamen eine ältere Dame samt Hund im Schlepptau nach dem Ziel unserer Begierde zu fragen. Zu unserer Verwunderung liegt der Steinbruch in einer Nebenstraße, die im ersten Augenblick wie ein gesperrtes Privatgelände daherkommt, aber keines ist. Ganz versteckt auf der “alten” Lotharstraße wurden wir, leicht in Panik etwas zu verpassen, um kurz nach 20 Uhr endlich fündig.

Nachdem sich die kleine Aufregung gelegt hatte, gings es direkt ab ins Café Steinbruch und dort in den leicht überschaubaren Liederraum, wo die Duisburger Sängerin Stef Boens an jedem ersten Mittwoch des Monats ihre eigenen Stücke zum Besten gibt und zwei Gästen aus den verschiedensten Ecken der Welt die Chance gibt sich vor dem lokalen Publikum zu beweisen. Als wir den Raum betraten stand die Mülheimerin Jaana samt ihrer Akustikgitarre bereits auf der Bühne und eröffnete den Songwriter Abend mit der Unterstützung von Jela am Cajon. Vor allem ihr Song “Revolution” blieb unserem Andreas im Ohr hängen. Nach ihnen betrat die Gastgeberin Stef Boens (Gitarre) zusammen mit Gereon Basso am Cajon und Thomas Urban am Bass die Bühne und brachten nach den eher ruhigeren Songs von Jaana ein wenig mehr Leben und Fülle in den Liederraum, was wohl zum Großteil an der weiteren Instrumentenstimme durch Basser Thomas Urban auf Seiten Boens lag. Das sympathische Trio überzeugte mit ihrem Akustik-Pop, der mich ein wenig an Juli erinnerte, sowohl Andreas also auch mich von der ersten Sekunde an. Währenddessen fand das erste Aufeinandertreffen zwischen unserem isländischen Freund Svavar Knútur und uns statt. Überrascht und begeistert voneinander wurde der Small-Talk eröffnet, aber dieser hielt nicht lange an, denn nun war es Zeit für Svavar Knútur selber musikalisch aktiv zu werden.

Ohne ein Wort zu sagen trat er zusammen mit dem Publikum und seinem Song “Clementine” die musikalische Reise bestehend aus Leid und Erlösung an. Was sich jetzt sehr melancholisch anhört klingt in diesem Fall wie ein angenehmer Traum, der zum Kopfkino Ereignis einlädt. Es wird einem warm ums Herz und man braucht nur die Augen zu schließen, um sich mit den Tönen auf die Reise ins Ich zu begeben. Mir lief vom ersten Moment an ein Schauer über den Rücken und jede Zeile wurde von Anfang bis Ende leise mitgesungen. Zum Mitsingen munterten die Songs von ganz alleine auf, da Svavar seine Songs mit simplen aber schönen “La la la” Parts ausstattet, die von jedem mitgesungen werden können ohne sprachliche Barrieren. Vor, während oder nach den Songs lässt Knútur es sich nicht nehmen die passende Geschichte hinter den Songs dem Publikum zu erzählen. Außerdem lockert er die an sich schon lockere Atmosphäre immer weiter auf durch lustige Anekdoten, wie er seine ersten deutschen Wörter durch die TV-Serie “Derrick” gelernt hat oder den Unterschieden zwischen Deutschen und Isländern. Man merkt schnell, dass Svavar Knútur nicht nur musikalisch einiges auf dem Kerbholz hat, sondern auch als Alleinunterhalter überzeugen kann. Mit “Emotional Anorexic” setzte er seine musikalische Reise fort und lieferte zudem den zweiten Songs seines Solo-Albums “Kvöldvaka”, dass dieses Jahr erschien. Vor allem als er in dem Song zum Finale ansetzt bekam Andreas große Augen und schaute mich an als hätte er es Svavar nicht zugetraut solch eine kräftige und ausdrucksvolle Stimme zu haben. Nach einer kleinen Geschichte über das Pflanzen eines Birkenbaums setzte sich Svavar Knútur musikalisch gesehen unter einen Birkenbaum mit meinem Lieblingssong “Undir Birkitré”. Auch ohne Isländisch Kenntnisse folgte ich ihm wie ein Schatten von Zeile zu Zeile und war total hin und weg. Dazu machte er das Publikum darauf Aufmerksam, dass die Melodie auch problemlos ein chinesisches Marschlied sein könnte. Zu diesem Zeitpunkt hatte er bereits das Publikum komplett in seinen Bann gezogen. Diesem Highlight folgte dann eine Premiere bzw. ein unbekannter Song in meinem knúturschen Universum namens “Humble Hymn”. Der Song ging mir unter die Haut und ließ mich, als auch das Publikum andächtig schweigen bis es wieder dem “La la la” entgegen ging. An sich waren seine 30 Minuten Bühnenzeit bereits beendet, aber leitete mit dem an sich schon lustigen Song “Leipzig” das Finale ein und toppte alles bis dahin gehörte. Durch eine eingebautes Medley basierend auf einer Anekdote oder einem Witz, dass durch eine ähnliche Akkordabfolge Svavar die Chance bietet Survivor’s “Eye Of The Tiger”; Bon Jovi’s “Livin’ On A Prayer”; Falco’s “Rock Me Amadeus” und The Prodigy’s “Firestarter” und “Smack My Bitch Up” miteinander zu verbinden brachte er den Raum förmlich zum Kochen und setzte für den darauffolgenden Künstler Steve Savage aus Tennessee eine hohe Messlatte, die jener nicht überwinden konnte. Zwar war seine an eine texanische Variante von John Mayer erinnernde Musik nicht schlecht, aber zum Ende hin wurden seine Songs recht einheitlich, was selbst Andreas auffiel. Das störte uns zu dem Zeitpunkt bereits wenig, denn wir waren mit Svavar in ein Gespräch verwickelt, dass einige Einblicke gab, die uns noch länger zum Schmunzeln brachten.

Im Ganzen war der Abend sehr sehr gelungen und zeigte deutlich, dass auf der Bühne authentische Musiker standen, die mit voller Überzeugung und Leidenschaft hinter ihrer Musik stehen ohne in irgendeiner Art und Weise gekünstelt zu wirken, wie es leider bei so vielen der Fall ist, die die Charts seit Jahren überfluten. An sich sollten sie dort oben stehen und die Lorbeeren ernten, die ihnen meiner Meinung nach auch zustehen. Sie brauchen keinen technischen Schnick Schnack oder Tanzeinlagen, um ihre Musik zu zelebrieren, welche den Hörer in ihren Bann zieht. Wir sind immer noch hin und weg und planen bereits den nächsten Besuch am 02.12.! Wer will kann ruhig mitkommen, denn gute Musik ist für alle da. In Sachen Svavar Knútur war der Abend noch längst nicht beendet. Wir unterhielten uns über Musik und viele andere Dinge und Andreas machte zudem noch die spürbare Begegnung mit isländischen Schnaps, bevor wir uns verabschieden mussten. Für mich hingegen ging es heute weiter mit einem kleinen Treffen, bevor Svavar uns Duisburgern für’s Erste “Auf Wiedersehen” sagte. Takk Svavar!

Setlist:
- Clementine
- Emotional Anorexic
- Undir Birkitré
- Humble Hymn
- Leipzig (Medley: Survivor – Eye Of The Tiger; Bon Jovi – Livin’ On A Prayer; Falco – Rock Me Amadeus; The Prodigy – Firestarter / Smack My Bitch Up)

Links:
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Fotos:

01.11.2009 (20:00 Uhr): Freundlich und Kompetent (Hamburg)
02.11.2009 (22:00 Uhr): F24 (Münster)
03.11.2009 (20:00 Uhr): Orlando (Bochum)
04.11.2009 (20:00 Uhr): Steinbruch (Duisburg) !!!
05.11.2009 (20:00 Uhr): Spatz und Wal (Unna)
06.11.2009 (20:00 Uhr): Cube/Capulet (Paderborn)
07.11.2009 (20:00 Uhr): Rubin Rot (Köln)
08.11.2009 (20:00 Uhr): Knaack Club (Berlin)

Wer meine Reise bis heute mitverfolgt hat, wird sicherlich wissen, dass ich einige östliche Bands der härteren Gangart, durch mein altes Hobby dem Rollenspielen, für mich entdeckt habe. Ein von mir geleitetes Abenteuer zum Rollenspiel “Shadowrun” spielte in Tschechien mit einem mysteriösen russischen Konzern, der dort sein Unwesen trieb. Da sonst immer die üblichen Verdächtigen sprich Killswitch Engage, Rise Against und Co. durch die Boxen schallten, dachte ich mir einfach mal den Soundtrack dem Abenteuer anzupassen. So googlete ich mich durch eine Vielzahl von Seiten, um am Ende Arakain aus Tschechien und Amatory, BeZumnie Usiliya und Mechanical Poet aus Russland für mich zu entdecken.

Die Band Amatory (Ausgesprochen Amatri) wurde 2001 gegründet und besteht momentan aus Igor (Gesang), Denver (Bass und Gesang), Alex (Gitarre), Jay (Gitarre) und Stewart (Schlagzeug). Davor waren in der Band noch aktiv der vom Militär noch vor der Aufnahme der Split-CD “Хлеб” (Bread – 2002) eingezogene PJ (Gitarre und Gesang), der direkt nach den Aufnahmen zu “Вечно прячется судьба” (The Fortune On The Run – 2003) ausgestiegene Lexus (Gesang) und der leider am 15.03.2007 durch Leberkrebs verstorbene Sergei “Gang” Osechkin (Gitarre). Mit “Вечно прячется судьба” (The Fortune On The Run – 2003), “Неизбежность” (Inevitability – 2004), “Книга мёртвых” (Book Of The Dead – 2006) und “VII” (2008) hat die Band bereits vier Alben veröffentlich, deren Bekanntheitsgrad sie mit sechs Singles in den russichen Landen gesteigert haben. Dazu gesellt sich noch die Split-CD mit Spermadonarz “Хлеб” (Bread – 2002) und drei DVDs.

In Sachen Musikstil gibt es natürlich volles Pfund auf’s Maul und das mit einer Mischung aus temporeichen Passagen a la Unearth und Killswitch Engage, erdbodenerzitterenden Stampforgien der Marke Hatebreed und Heaven Shall Burn, einem Clean und Shoutanteil wie es bei Slipknot der Fall ist und einigen “ruhigeren” Momenten wie man sie von Linkin Park kennt. Dabei klingen sie in meinen Augen nicht wirklich wie eine erzwungene 1 zu 1 Kopie der genannten Bands, wie es bei vielen anderen Bands aber der Fall ist. Was den Gesang angeht teilen sich Sänger Igor und Bassist Denver die anfallenden Gesangparts. Igor übernimmt in dem Fall sämtliche “Rap”- und Shoutparts und Denver kümmert sich währenddessen um alle cleanen Gensangsstellen und gröhlt nur ab und zu ins Mikro. Da punkten beide sehr gut mit ihren Stimmen. Igor verfügt über eine gute Stimme im Shouting Bereich, die man erstmal haben muss. Es gibt so viele Band wo einer sein Inneres ins Mirko würgt und es einfach nach Nichts klingt, dass ist bei Amatory definitiv nicht der Fall. Zumal er, zu meinem Glück, gröhlt und nicht kreischt. Denver versteht sich vor allem in seinen mehrstimmigen Parts gut zu präsentieren, was zum Großteil immer Stellen sind, die man selber mitsingen will. Auch was den Gitarrensound angeht können mich die Russen überzeugen, denn der Sound geht genau in die Richtung, die ich bei einigen Bands vermisse. In vielen Fällen fehlt es Bands an Druck im Sound, aber Amatory machen in dem Bereich alles richtig.

Im Ganzen liegt der Reiz für mich daran, dass die Band weiss, wie sie ihre Art von Musik umsetzen muss, damit sie auch authentisch und gut beim Hörer rüberkommt. Dabei geht ihnen nicht, wie bei Hatebreed der Fall, die Luft aus, um letzten Ende wie eine schlechte Kopie ihrer selbst zu klingen. Natürlich hat man irgendwann alles gehört, aber es ist wie bei so vielen guten Bands, dass sie trotz der selben Mitteln immer noch ein frisches Ergebnis abliefern können, dass einen überzeugt und in seinen Bann ziehen kann. Außerdem liegt für mich noch der Reiz ganz klar auf der russischen Sprache. Die Verbindung aus Musik in der man sich heimisch fühlt und der unbekannten Sprache, die einem völlig fremd ist und zudem auch nicht unbedingt melodiös klingt, aber im diesem Zusammenspiel dennoch interssant und gesanglich passend wirkt, macht Amatory für mich zu einer Band, die ich nicht missen möchte. Dennoch haben es sich die Herren aus St. Petersburg nicht nehmen lassen, alle ihre Alben in Englisch einzuspielen!

Der lachende Vagabund baut nun sein Zelt wieder ab, um im nächsten Monat euch in Japan zu begrüßen! In diesem Sinne До свидания und Пока!

Hörempfehlungen:
- Черно-белые дни
- Семь шагов
- Глубоко внутри
- Эффект бабочки
- Обернуться назад
- Теряешь меня
- Падая вниз
- Спарта
- Осколки
- Время придумало смерть
- В глазах твоя жизнь
- Километры
- Зачем мечтать

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Amatory – черно-белые дни (Black And White Days):

Amatory – Осколки (Debris):

Amatory – Преступление против времени (Crime Against Time):

Amatory – Эффект бабочки (Butterfly Effect):

Amatory – Дыши со мной (Breathe With Me):

Alice In Chains – Black Gives Way To Blue

Anzahl der Tracks: 11 + 2 (bei iTunes) + T-Shirt (Bei der Limited Deluxe Edition. Größe XL!)

Gesamtlaufzeit der Standard Version: ca. 55 Min.

Um erhlich zu sein weiss ich nicht mehr wie ich auf Alice In Chains gestoßen bin, aber ich vermute mal es war mal wieder die Ausstrahlung eines Videos – wahrscheinlich “Would” – der Band auf einem der hiesigen Musiksender. Das müsste irgendwann um das Jahr 2002 geschehen sein. Was für mich den Reiz an der Band ausmacht ist in erster Linie das unfassbar gut harmonierende Gesangsduo bestehend aus Layne Staley und Jerry Cantrell. Die vor allem für die Band sehr typischen lang gezogenen Gesangsmelodien und Staley’s markanter Gesangsstil mit seiner Achterbahnfahrt durch kreischendem Geschrei und sehr melodiösen Gesang samt andauernden Phrasierungsorgien. Ein ähnliches Hin und Her bietet auch die Musik der Band, denn dort findet man nicht nur düstere Grungeparts, sondern auch viele Einflüsse aus dem Metal, Blues, Hard- und Alternative Rock Bereich. Zwischendurch lassen sich es die Herren auch nicht nehmen ein wenig die Geschwindigkeit zur drosseln, um akustisch aktiv zu werden. Das Ganze und eine Vielzahl von Hits sind bis heute der Grund warum ich Alice In Chains höre.

Die Fans und vor allem die Bandmitglieder musste im April 2002, nach bereits 7 Jahren ohne ein neues Album der Band, einen sehr derben Schlag entgegennehmen, als Sänger Layne Staley tot in seiner Wohnung aufgefunden wurde. Zwar konnte man sich aus Sicht des Fans über zwei Soloalben Cantrells freuen, der die Hanschrift der Band maßgebend geprägt hat, aber man merkte damals, dass der Musik eine starke und einzigartige Band auf einen Schlag genommen wurde. Ich war zu der Zeit gerade mittendrin mein Fan Dasein aufzubauen, um schließlich zu merken, dass ich mich wohl auf kein neues Material freuen dürfte. Umso überraschender war dann die plötzliche Auferstehung 2005 mit William DuVall als neuem Sänger der Band, um für eine längere Zeit die Bühnen für die vielen Alice In Chains Fans einzunehmen. Ich für meinen Teil war weniger erfreut über die Wahl des Sängers, da ich mich mit dem Gesang bei einer Rockpalast Ausstrahlung nicht anfreunden konnte. Das mag zwar ein wenig zu voreilig gewesen sein, aber man hört sich ja Scooter auch nicht zwanzig Mal an, um sie am Ende immer noch als schlecht zu beurteilen.
Mein Fokus richtete sich von da an auf andere Band und wenn es um Alice In Chains ging nur noch auf das bekannte Staley Material. Komischerweise erschien bis 2009 kein Album mit dem neuen Sänger, da die alten Bandmitglieder der Tod von Layne immer noch nicht überwunden hatten und noch heute damit zu kämpfen haben, aber dennoch war der Moment aufeinmal da und der Weg war frei für “Black Gives Way To Blue”.

Nach sage und schreibe 14 Jahren ist das vierte Album “Black Gives Way To Blue” endlich erschienen und versucht sich nach einer langen und leider traurigen Tortur wieder mit den treuen Fans zu versöhnen. Direkt mit der ersten Minute von “All Secrets Known” wird dem Fan der vergangenen Jahre klar, dass seine Band in den 14 Jahren nichts verlernt hat und sich geschmeidig an dem anschliesst, wo “Alice in Chains” 1995 endete. Bleischwerer Sound und hypnoseartige Gesangsarien mit dem typischen Alice In Cains Touch ziehen den Hörer von der ersten Minute an, um ihn für die nächste Stunde nicht mehr davonkommen zu lassen. So wundervoll dem Fan der Einstieg bereitet wird umso mehr schlägt sein Herz bei der nächsten Nummer höher. Mit “Check My Brain” liefern sie den wohl besten Song des Albums und zeitgleich einen der besten Songs, den ich dieses Jahr gehört habe. Dieser strahlt mit purer Energie und einem Bohrmaschinen artigen Riff, dass die eingeschlafenen Glieder wieder zappeln lässt. Vor allem der typisch mehrstimmige Refrain hat es in sich und zeigt eindruckvoll, dass auch das neue Duo Cantrell und DuVall in den heiligen Staley und Cantrell Gefilden überzeugen kann. Was wahrscheinlich auch daran liegt, dass Cantrell die erste Geige in Sachen Gesang eingenommen hat und DuVall sich gesanglich um seine Parts schlängelt. Das bedeutet aber nicht, dass er keine Nummer im Vordergrund singen darf, denn direkt mit “Last Of My Kind” darf er sich vor der kompletten Hörerschaft beweisen und versucht zum Glück nicht Staley zu kopieren oder gar zu imitieren, sondern bleibt sich selbst treu und zieht sein Ding auch durch, wobei er sich natürlich an den typischen Gesangsvorgaben entlang hangelt. Auch hier kann man dem Song seine hypnotische Wirkung nicht absprechen und mal wieder glänzt auch hier der Refrain in dem die Herren aus Seattle, Washington in alter düsterer Grungemanier buchstäblich die Hütte abreissen und DuVall dieses Gefühl auch sehr gut mit seiner Stimme verkörpert.
Was darf bei Alice In Chains nie fehlen? Genau die ruhigen Momente samt Akustikgitarre. Im Song “Your Decision” wird die Geschwindigkeit gedrosselt und so auch die Verzerrstufe. Bei dem Song wird einem, trotz der leicht traurigen Stimmung, warm um’s Herz und das Mitsinggefühl vergangener Tage durch Songs wie “No Excuses“, “Nutshell” oder “I Stay Away” kommt wieder auf. Man bekommt förmlich eine Gänsehaut beim Mitsingen der ersten Zeilen, aber das intensive mittendrin Gefühl wechselt schlagartig in einen Alptraum mit “A Looking In View”. Aus dem schönen Traum gerissen überfällt den Hörer dreckiger und düsterer Grunge mit DuVall’s Kreischattacken und einem Cantrell, der einen gesanglich immer tiefer in den Alptraum lockt und schließlich dort angekommen willkommen heißt. Auch hier liefert das neue Gesangsduo eine geinale Zusammenarbeit ab und wirkt – wie kann es auch anders sein – in den mehrstimmigen Refrainparts perfekt aufeinander abgestimmt.
Selbiges gilt auch in “When The Sun Rose Again”, wo es wieder ruhiger zur Sache geht mit einem leichten Dschungelflair. Cantrell und DuVall ziehen hierbei die Töne um die Wette in die Länge und wirken umso mehr wie eine Einheit. Dieses Hin und Her aus mal ruhigen, mal düsteren oder mal rockigen Songs zieht sich wie ein roter Faden bis zum Ende der CD. Weitere nennbare Songs sind “Lesson Learned”, “Private Hell” und der Titeltrack “Black Gives Way To Blue” in dem Elton John in die Tasten haut. “Lesson Learned” rockt auf selben Niveau wie “Check My Brain” trifft aber nicht annähernd die Wirkung des Songs. “Private Hell” kommt wieder mit einer sehr tollen mehrstimmigen Strophe und punktet bei mir vor allem im kraftvollen Refrain. Die Ballade “Black Gives Way To Blue” ist der ruhigste Song des Albums und lässt wie schon erwähnt Sir Elton John ein Bisschen am Klavier klimpern, was aber um ehrlich zu sein so gar nicht auffällt und von jedem X-beliebigen hätte eingespielt werden können. Trotzdem ist es ein sehr schöner Song, der in meinen Augen weniger nach Alice In Chains klingt und das erste Stück ist, dass ich auf Anhieb dem neuen Lineup zurechnen würde. So gar nicht warm werde ich mit “Acid Bubble” und “Take Her Out”. Bei diesen Songs will der Funke nicht überspringen, aber das Album hält dennoch viel parat, was den alten und auch neuen Alice In Chains Fan in Begeisterung versetzen kann.

Fazit:
Alice In Chains is back und das mit einem großen Schwung neuer und frischer Energie. Nach 14 Jahren hätte ich mit solch einem gelungenen Comeback nie gerechnet, aber sie haben es wirklich geschafft und meinen Blick wieder auf die Band gerichtet. Dabei bleiben sie sich selbst und ihrer Musik treu, aber lassen dennoch einen frischen Wind aufkommen, der Lust auf mehr macht ohne den Ruf nach Abwechslung ertönen zu lassen. Vor allem das neue Duo Cantrell und DuVall zeigt eindruckvoll, dass nicht nur Staley und Cantrell die gesangliche Handschrift der Band tragen können. Das neue Gespann lassen das alte Gefühl der vergangenen Tage aufkommen ohne am Bild der Band zu kratzen oder Fans zu enttäuschen. Dazu kommt natürlich das typische Songwritig von Cantrell, dass im Alice In Chains Universum mit Grunge artigen Alpträumen, wundervollen Balladen und fetzigen Rocksongs samt den langezogenen Gesangspassagen wieder für gehörig Abwechslung sorgt und mit “Check My Brain”, “Your Decision”, “Last Of My Kind” und “When The Sun Rose Again” das Album zum unvermeidbaren Must Have für Fans macht. Auch DuVall als Kurzzeitfrontmann kann überzeugen und bringt einen neuen Schliff in die Band. Natürlich ist “Black Gives Way To Blue” jetzt kein neues “Dirt”, da hier noch das überragende des Albums fehlt, aber es ist ein gelungener Neustart, der hoffenlich noch viele weitere Alben nach sich zieht und für viele weitere Ohrwürmer sorgen wird. Wer Bands wie Mad Season, Jerry Cantrell als Solokünstler, Soundgarden, Temple Of the Dog, Pearl Jam, Stone Temple Pilots, Screaming Trees und Co. mag kann sicherlich einiges für sich herausziehen. Alle anderen sollten auf jeden Fall mal reinhören, denn der Musikstil ist nicht unbedingt jedem zugänglich, aber was nicht ist kann ja noch werden. Ich freue mich währenddessen auf neues Material und hoffe, dass dies nicht wieder 14 Jahre dauern wird.

Hörempfehlungen:
- Check My Brain
- Your Decision
- Last Of My Kind
- When The Sun Rose Again
- A Looking In View
- Private Hell
- Black Gives Way To Blue
- All Secrets Known
- Lesson Learned

Links:
Offizielle Seite
Offizielle MySpace Seite

Alice In Chains – Check My Brain:

Alice In Chains – A Looking In View:

Alice In Chains – Your Decision:

Alice In Chains – Black Gives Way To Blue – The Interview:

Jochen Distelmeyer – Heavy

Anzahl der Tracks: 10

Gesamtlaufzeit der Standard Version: ca. 41 Min.

Meine Begeisterung für Blumfeld und der Stimme von Jochen Distelmeyer begann bereits 2001 als die Single “Graue Wolken” über die heimischen Schirme flimmerte. Zwar konnte ich damals noch gerade so widerstehen mich mit allen CDs einzudecken, aber zwei Jahre später mit der Single “Wir sind frei” vom Album “Jenseits von Jedem” war ich hin und weg. Dadurch stieg die Anzahl der Blumfeld in meiner Sammlung und neue Songs wie “Ich – Wie es wirklich war”, “Status Quo Vadis”  und vor allem “Der Wind” hielten dauerhaften Einzug in mein Gedächnis und sind noch heute dort tief verwurzelt als Ohrwurm. Vor allem der sehr gelungene Mix aus Hamburger Schule mit melancholischen Klängen, mitreissenden Schrammelmelodien, intelligenten Texten und der perfekt dazu passenden Stimme zog mich einfach in seinen Bann. Die Krone setzte die Band sich 2006 auf mit dem Album “Verbotene Früchte”, dass leider zugleich das beste als auch das letzte Album der Band ist. Umso mehr fiel der Abschied für mich recht schwer, da ich das Gefühl hatte, dass es jetzt erst recht weiter in Richtung Bergspitze ging. Für mich persönlich gehört Blumfeld zusammen mit Kante, Tomte, Pur, Tom Albrecht, Subway To Sally, Letzte Instanz, Schandmaul und einigen weiteren Bands und Künstlern zum Besten was Deutschland bis heute hervorgebracht hat.

Somit war die Verwunderung und Begeisterung über die Nachricht, dass die Stimme von Blumfeld wieder musikalisch aktiv wird, sehr groß. Zum Glück erfuhr ich recht spät von der Veröffentlichung, sodass ich am Tag drauf schon in die Platte reinhören konnte.

Das erste Sololbum “Heavy” beginnt auch direkt mit einer sehr ungewöhnlichen Solonummer, da Distelmeyer im Song “Regen” völlig auf Instrumente und Begleitungen verzichtet und nur seinen Gesang zum Besten gibt. Das Acappella Stück schafft es dennoch den Hörer zum Mitsingen zu animieren und einen unhörbaren Rhythmus aufkommen zu lassen, der zum Mitwippen einlädt. Zwar fängt das Album ungewöhnlich an, aber kommt recht schnell auf den alten musikalischen Pfad von Blumfeld und macht deutlich wer die Handschrift der Band geprägt hat. Vor allem die ruhigere Seite der alten Bandzeiten findet man auf dem Album wieder. Dazu gehören “Jenfeld Mädchen”, “Murmel” und der beste Song des Albums “Nur mit dir”, die stellenweise unter die Haut gehen und eine Gänsehaut verbreiten, wie es “Graue Wolken” zum Beispiel zu Blumfeld Zeiten tat. Es ist so als würde man in Gedanken an einem schönen und sonnigen Tag durch Wälder und Felder spazieren gehen. Ähnlich intensiv wirken auch der melancholisch wirkende Song “Bleiben oder gehen” und der poppigste Song des Albums “Lass uns Liebe sein”. Beide Songs gehören mit zu den Highlights des Albums und im Falle von “Bleiben oder gehen”  punktet dieser in erster Linie mit seinen schönen Strophen und bei “Lass uns Liebe sein” ist es das gesamte Paket, die ein Gefühl von Geborgenheit aufkommen lassen. In diesen Fällen ist es fast durchweg so, dass man die Augen schliessen will, um einfach die Musik und den Moment zu genießen ohne sich vom alltäglichen Trott ablenken zu lassen. Wenn man dabei noch den Drang verspürt die Zeilen mitzusingen, dann wirkt das Traumgefühl um einiges stärker.  Distelmeyer kann aber auch anders und lässt nicht nur die Romantiker und Tagträumer unter uns nicht zu kurz kommen, sondern haut für die Fans der rockigen Blumfeld Abschnitte auch in die Saiten und hebt zudem das Tempo teilweise an. “Wohin mit dem Hass?”, “Er”, “Hinter der Musik” und “Hiob” gehören zu dieser Kategorie und bringen das Blut in Wallung, um den eingerosteten Nacken wieder in Bewegung zu setzen. Besonders bei “Hiob” und “Er” kann man sich der zum Tanzen und Abfeiern aufrufenden Wirkung nicht entziehen und schreit förmlich die Refrains mit während das Zimmer durch die Musik und dem eigenen Herumgespringe bebt. Im Ganzen ist es ein gelungenes Album, dass die zwei Jahre ohne Blumfeld bzw. Distelmeyer schnell vergessen macht und den Hörer nach mehr schreien oder singen lässt.

Fazit:
“Heavy” schafft es problemlos Fans der Blumfeld Ära an sich zu binden und überzeugt mit einer guten Mischung aus ruhigen, melancholischen und traumhaften Balladen und rockigen zum Tanzen und Feiern einladenden Songs. Ob nun eher die ruhigen Momente wie “Nur mit dir”, “Bleiben oder gehen” und “Lass uns Liebe sein” oder die Rockigen wie “Hiob” und “Er” man muss sie einfach mal gehört haben, sofern man sich für die Musik begeistern kann bzw. für Blumfeld begeistern konnte. Im Falle meines Kollegen Paul wird das wohl nie der Fall sein, da er mit der Musik und der Stimme nichts anfangen kann – Tss dieser Banause. Wie dem auch sei für Blumfeld Fans sicherlich ein Muss und jedem der auf gute deutsche Pop-Rock Musik oder Hamburger Schule  steht. Alle anderen sollten einfach mal reinhören.

Hörempfehlungen:
- Nur mit dir
- Bleiben oder gehen
- Lass uns Liebe sein
- Hiob
- Er
- Wohin mit dem Hass?
- Jenfeld Mädchen
- Regen
- Hinter der Musik
- Murmel

Links:
Offizielle Seite
Offizielle MySpace Seite

Jochen Distelmeyer – Lass uns Liebe sein:

Jochen Distelmeyer – Wohin mit dem Hass?:

Jochen Distelmeyer – Ich – Wie es wirklich war:

Paramore – Brand New Eyes

Anzahl der Tracks: 11 + 1 (in der internationalen Version) + 2 (in der auf 15.000 Stück limitierten Deluxe Box Edition mit Making Of-DVD, 7″ Vinyl Single, dem 16 seitigen Booklett, einem 40 seitigen Buch mit den handschriftlichen Texten des Albums und Notizen von Hayley Williams, einem Paramore Poster, 5 Paramore Fotokarten und einem Authentizitätszertifikat) + 3 (in der iTunes Store Deluxe Edition samt Musikvideo zu “Ignorance” und bei Vorbestellung mit dem Making Of des Videos)

Gesamtlaufzeit der Standard Version: ca. 41 Min.

Wie bereits oben erwähnt bin ich noch ein Greenhorn was das Paramore Fan Dasein angeht, denn das Ganze ist erst durch die Single “Decode” für mich ins Rollen gekommen. Der Song war mir schon durch die täglichen Ausstrahlungen auf MTV und Co. aufgefallen und auch Paul erzählte mir von dem Video mit dem coolen Look. Je öfter ich den Song hörte, desto mehr interessierte mich die Band und auch ihre Musik. Paramore war mir zwar ein Begriff, aber löste dieser damals kein Interesse bei mir aus. Durch “Decode” änderte sich dies wie schon gesagt und ab da an waren alle Dämme gebrochen und Paramore auf Dauer und das bis heute des Öfteren Gäste in meinen vier Wänden musikalisch gesehen. Die energievolle und erfrischende Mischung aus Alternative Pop/Rock, Power Pop und Pop Punk und die wundervolle Stimme von Frontfrau Hayley Williams, die uns mit jedem Album mit Ohrwürmern überhäuft, lädt ständig auf eine weitere spaßige Runde ein, die man immer wiederholen möchte. Das macht in meinen Augen den Reiz an der Band aus.

Seit dem ersten Album “All We Know Is Falling” aus dem Jahre 2005 hat sich die Band immer mehr gesteigert und ist musikalisch stärker, experimentierfreudiger und reifer geworden. Das merkte man bereits auf dem Nachfolger “Riot!”, der 2007 erschien und immer noch mit einer Energie daher kam, die Bäume auswurzeln konnte, und Balladen, die unter die Haut gingen, aber mehr Hit potenzial besaß und um einiges ausgearbeiteter und runder wirkte. Dennoch sind beide Alben sehr gut ausgefallen in meinen Augen, auch wenn “Riot!” letzten Endes die Nase, um einen Millimeter vorn hatte.

Nun steht mit “Brand New Eyes” das dritte Album des flotten Fünfers aus Franklin, Tennessee im Handel und soll dem Ganzen noch die Krone aufsetzen. Die beiden Singles “Decode”, der in Deutschland als Bonustrack auf der CD zu finden ist, und “Ignorance” haben uns bereits die Münder wässrig und Lust auf mehr gemacht. Zwar klingen die beiden Songs nicht besonders anders als der sonstige Paramore Songpool, aber man merkte schon, dass die Band ihren experimentierfreudigen und reiferen Weg von “Riot!” fortsetzen werden. Das wird recht schnell deutlich, denn man hört zum ersten Mal Akustikgitarren in ihren Songs und auch sonst lassen die Dame und die Herrschaften um sie herum es recht melancholisch zugehen. Dazu kommt noch der Fakt, dass man mit dem Zugang des zweiten Gitarristen Taylor York noch mehr Gitarrenspuren als es sonst schon der Fall ist in den Songs zu hören bekommt. Trotz der eher ruhigen Herangehensweise lassen es sich Paramore nicht nehmen wieder mit vollem Einsatz in die Saiten zu hauen und vor allem dabei liefern sie Hitbomben ab, die mich im Sturm erobert haben. Wer dachte, dass “Ignorance” schon das Highlight wäre, der irrt, denn Songs wie “Lookin Up” oder “Where The Lines Overlap” strahlen nur so vor positiver Energie, um wahre Tagesretter zu sein. Kaum gehört meißelt sich ein Lächeln ins Gesicht, die Freude kehrt ein und man möchte lauthals mitsingen oder durch den Raum springen. Für mich ist “Where The Lines Overlap” mein persönlicher, verspäteter Sommerhit. Es ist halt wie bereits gesagt das Gefühl als würde der Song dunkle Wolken verwehen lassen und die Sonne in den Alltag holen. Besonders zu erwähnen ist hierbei, dass der Song trotz der gewaltigen Wirkung auch eine Akustikgitarre im Instumentenrepertoire beinhaltet, die in der Strophe zum Einsatz kommt, der mich komischerweise irgendwie an Nina & Mike’s “Fahrende Musikanten” erinnert. Genauso schwungvoll ist auch “Feeling Sorry”, nur erinnert dieser durch die Melodie an die unzähligen Punkballaden aus den vielen Teeniefilmen, die uns jedes Jahr “beglücken”. Ein Wenig vom Gas gehen die Dame und die Herren bei den Songs “Playing God” und “Turn Off”, um nach der Strophe wieder Gas zu geben. Dabei klingen vor allem die Strophen sehr gefühlvoll und schön, dass man die Augen schliessen möchte. So richtig melancholisch wird es dann mit “The Other Exception” und besonders durch “Misguided Ghost”. Dort lassen Paramore die E-Gitarren links liegen und gehen vollkommen akustisch zu Werke und gehen dabei mit ihren Tönen unter die Haut. Genau diese Songs haben mich am Meisten überrascht und zeigen, dass Hayley Williams gesanglich noch mehr auf dem Kerbholz hat als Energiebomben zu entfachen. Allein “Misguided Ghost” zeigt deutlich, dass die Band reifer geworden ist und das im textlichen als auch musikalischen Sinne. Der Rest bestehend aus “Careful” und “Brick By Boring Brick” besticht mit netten mehrstimmigen Einlagen und weisen durchaus den bereits genannten wegfegenden Schwung auf! Einzig “All I Wanted” konnte mich nicht packen, aber das macht bei einer Ausbeute von 10 bei 11 Songs nichts mehr aus, denn das Album ist klasse!

Fazit:
Paramore gehen wie bereits gesagt ihren experimentierfreudigen und reiferen Weg von “Riot!” eindeutig weiter und überraschen durch eine melancholischere Seite als zuvor, aber sie wissen dennoch, wie sie auf die Pauke hauen können, um Fans der Vorgängeralben im Sturm zu erobern. Dabei entfachen sie ein Hitfeuerwerk, dass sich sehen lassen kann, aber nicht ganz an die Hitvielfalt von “Riot!” heranreicht. Zwar fiel das Album mit einer Ausbeute von 9 bei 11 Songs um einen Song schlechter aus, aber diese 9 überzeugen durchweg, was bei “Brand New Eyes” nicht ganz der Fall ist, da es bei vier Songs eher ein Hin und Her von guten Strophen oder guten Refrains ist und somit nicht alle 10 Songs durchweg überzeugen. Dennoch läuft das Album dem Vorgänger nicht hinterher, sondern rennt auf gleicher Höhe mit “Riot!” zusammen auf dem Weg zum neuen Albumvergleich.
Ich empfehle das Album jedem Paramore Fan, denn es kann trotz der ruhigeren Seite, dennoch überzeugen und beinhaltet mit “Where The Lines Overlap”, “Looking Up”, “Ignorance” und “Misguided Ghosts” gleich vier Songs, die man gehört haben muss! Mit dem Bonustrack “Decode” sogar direkt fünf! Natürlich werden auch Fans von VersaEmerge, New Found Glory, Coheed and Cambria, Simple Plan, Jimmy Eat World, Yellowcard und Co hier auf ihre Kosten kommen. Genauso werden Romantiker sicherlich was für sich auf dieser Platte entdecken und ich hoffe noch mehr Leute können mit diesem Album was anfangen, denn die Band hat es verdient. Jetzt bleibt nur zu hoffen, dass die Band ihren Weg kontinuierlich so weiter geht und Hits wie “Where The Lines Overlap”, die gute Laune verbreiten und einem zum Mitsingen und Mittanzen aufrufen, am laufendem Band produziert. Zum Schluss muss ich noch sagen, dass die Rechnung von Hayley Williams total aufgegangen ist, denn wie heißt es im Song “Where The Lines Overlap” nochmal?

“Now I’ve got a feeling
If I sang this loud enough
You would sing it back to me
I’ve got a feeling
If I sang this loud enough
You would sing it back to me
I’ve got a feeling
(I’ve got a feeling)
That you would sing it back to me
That you would sing it back to me

No one is as lucky as us
We’re not at the end, but
Oh, we already won
Oh, no, no one is as lucky as us
Is as lucky as us
Is as lucky as us”
Paramore – Where The Lines Overlap

Hörempfehlungen:
- Where The Lines Overlap
- Looking Up
- Ignorance
- Misguided Ghosts
- Feeling Sorry
- Playing God
- Turn It Off
- The Only Exception
- Brick By Boring Brick
- Careful

Links:
Offizielle Seite
Offizielle Myspace Seite
Hayley Williams’ Twitter Account
Jeremy Davis’ Twitter Account
Zac Farro’s Twitter Account
Taylor York’s Twitter Account

Paramore – Ignorance:

Paramore – Decode:

Paramore – Decoy (Live):