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The Lonely Island – On The Ground:

The Lonely Island – Rihanna & Shy Ronnie:

The Lonely Island – Natalie’s Rap (feat. Natalie Portman and Chris Parnell):

The Lonely Island – Dick In A Box (feat. Justin Timberlake):

The Lonely Island – Jizz In My Pants:

The Lonely Island – Boombox (feat. Julian Casablancas):

The Lonely Island – I’m On A Boat (feat. T-Pain):

Aber Aber – Nullkommaeinsprozent

Anzahl der Tracks: 11

Gesamtlaufzeit der Standard Version: ca. 42 Min.

Die Formation hinter Aber Aber bestehend aus Kim Rørbæk (Gesang und Gitarre), Sven Breuel (Contrabass, Cello und Chorgesang), Kai Brötzmann (Gitarre) und Peter Kistmacher (Schlagzeug und Percussion) ist mittlerweile seit 1996 gemeinsam aktiv. Als Schmoove versuchten die Herren neue Wege zu gehen, um sich musikalisch auszudrücken und ihren eignen Stil zu finden. Diesen haben sie auch in einer Mischung aus teils romantischer und teils grooviger Akustikmusik gefunden, die sie sowohl mit englischen als auch deutschen Texten unterlegt haben. Die Mischung reichte aus, um mich mit Ohrwürmern und musikalischen Kopfkinoerlebnissen im Sturm zu erobern ohne Abnutzungserscheinungen. Um das Jahr 2007 rum entschieden sich die Herren das Projekt Schmoove auf eine rein deutsche und poppigere Schiene zu führen und so wurde Aber Aber ins Leben gerufen. Trotz des poppigeren Anstrichs kam der bekannten Schmoove Wirkung nichts abhanden und Fans des Quartetts dürfen sich über das eine oder andere Comeback bekannter Songs freuen, die hier einen neues musikalisches Gewand bekommen.

Ihr Debütalbum “Nullkommaeinsprozent” ist wie oben schon erwähnt bereits erschienen und liefert mit dem verträumten “Kommen aus dem Wasser” und dem groovigen “Was fällt dir ein” zwei vertraute Lieder aus dem Repertoire von Schmoove. Hierbei handelt es sich um die Songs “Cafee Calm” und “Es geht was“. Ersterer wirkt nun um einiges atmosphärischer dank der Verwendung eines Synthesizers, der vor allem im Refrain das Unterwassergefühl schön in Szene setzt. Außerdem ist der Song nun komplett in Deutsch und zudem um eine Minute länger. “Es geht was” hingegen wurde mit seiner neuen Version “Was fällt dir ein” um knapp zwei Minuten gekürzt, aber wirkt einen Ticken flotter. So sehr ich diesen Song mag gefällt mir die alte Variante ein wenig besser, da mir in der alten Version der verzerrte und mit einem Wah-Wah Effekt versehende Bass sehr gefallen hat und der Song im Ganzen ein bisschen düsterer wirkte. Zudem war der zweistimmige Break im Original klasse. Trotz der leichten Veränderungen geht beiden Songs ihre Wirkung nicht verloren. Was einem in dem Fall besser gefällt ist also reine Geschmackssache.

Wie auch Schmoove fühlen sich Aber Aber im selben muskalischen Gefilde wohl. So wechseln sich auf “Nullkommaeinsprozent” romantische und verträumte Nummern mit groovigen bis poppigen Nummern ab.
Bei “Saltoüberschlag” gehen die Herren recht gemächlich voran und erweitern ihre sanfte Klangwelt mit einer Pedal-Steel-Gitarre und Streichern, die wie der Refrain dem Hörer unter die Haut geht. Dort ergießt sich die in der Strophe immer größer werdene Welle über das Ufer des gedanklichen Strands mit Rørbæks gefühlvoller Stimme und den Streichern im Hintergrund.
Passend dazu gesellt sich “Wie spät ist jetzt”, wo Aber Aber neben den Band typischen Elementen wie Akustikgitarre, Contrabass und Schlagzeug auch auf ein Klavier zurückgreifen. Auch hier bekommt man das Gefühl am Strand zu sitzen und sich vom Anblick der untergehenden Sonne berieseln zu lassen. Das i-Tüpfelchen in diesem Song setzten die Herren im Refrain mit dem Einbinden eines Glockenspiels und Cellos, dass dem ganzen Szenario der schwindenen Sonne was schönes und aufmunterndes verleiht.
Wer weniger auf Ereignisse aus dem Kopfkino steht kann sich über Pop Songs freuen, die zum Mitwippen und Tanzen einladen.
“Wenn’s so weitergeht”, der für mich beste Song dieser CD, hebt sich vor allem dadurch ab, dass Sänger Rørbæk hier zum ungewohnten aber dennoch gut passenden Sprechgesang ansetzt, während die Band begleitet von Trompeten und Posaunen dem Ganzen einen funkigen Touch verleiht.
In “Dein Ego” spielt Funk keine Rolle mehr, denn hier widmen sich Aber Aber orientalischen Klängen, die besonders im Intro und im Refrain von der griechischen Bouzouki getragen werden. Auch hier finden wir den Sprechgesang Rørbæks wieder. Das Highlight für mich in diesem Stück ist immer noch der Refrain, wo sich die Bouzouki tief in den Gehörgang spielt und dort verweilt.
Alle guten Dinge sind drei und so werden wir auch beim Titelsong “Nullkommaeinsprozent” wieder Zeuge des Sprechgesangs, der in der Strophe zwar keine Trompeten und Posaunen bietet, aber dennoch mit vollem Akustik-Funk strotzt und den Drang aufkommen lässt alle 0,1 Prozent mitzusingen.
“Hier ein schönes Lied” gehört in die selbe Sparte. Kaum im Takt bewegen sich alle Glieder zur Musik und auch der Refrain lädt wieder zum aktiven Mitsingen ein, während mal wieder Streicherparts sich gekonnt in Szene setzen.
Das schwungvolle Stück “Wir müssen reden” ist wohl der Pop Song der Platte, der mir gerade wegen den oft verwendeten Streichern sehr gefällt. Diese verleihen dem Song auch mehr Dynamik und unterstreichen somit auch passend die Thematik jede Chance im Leben zu nutzen.
Der Song “Schmoove” liegt genau in der Mitte. Obwohl er thematisch zu den gefühlvollen Songs gehört lassen Aber Aber es sich nicht nehmen diesen Song eine gehörige Packung an Groove zu verpassen. Dadurch gibt man sich auch hier recht schnell dem Takt hin. In meinen Augen kommt in diesem Lied leider Rørbæks Gesangs- bzw. Summsolo viel zu kurz. Besonders auf diese Stelle freue ich mich bei jedem Hörgang.
Die Herren sind sich aber auch nicht zu schade, um verspielt und mit Mut zu kindlichen Melodien ans Werk zu gehen, wie bei “Querfeldein”, dass mit Flöten, Xylophon und Saxophon zu einem unbeschwerten Spaziergang querfeldein einlädt.

Fazit:
Das Debütalbum “Nullkommaeinsprozent” von Aber Aber ist ein gutes und solides Album geworden, dass sämtliche Stärken der Band in sich vereint ohne große Wünsche aufkommen zu lassen. Songs mit Ohrwurmpotenzial, die sowohl dafür geeignet sind die Seele baumeln zu lassen als auch sich neu zu motivieren und nach knapp 42 Minuten wieder durchzustarten. Wer sich für Akustikmusik mit deutschen Texten begeistern kann, die zugleich Eintrittskarten für Kopfkinoerlebnisse verteilt und nebenbei die verstaubten Knochen in Bewegung bringt, ist hier genau richtig. Wer gerne den passenden Soundtrack sucht für Tage am Strand, auf dem Land, unterwegs im Auto oder daheim vor dem Fenster oder dem Kamin kann problemlos zugreifen. Dem Rest empfehle ich einfach das Reinhören in die Platte. Ich bin völlig zufrieden, auch wenn ich schon gerne den Song “Bring ud zthe Lights Dimoh” auf der Platte im neuen Gewand sehen hätte wollen. Man kann gespannt sein, was sich noch so in den Lagern von Aber Aber und Schmoove tun wird. Vielleicht gibt es ja irgendwann eine Studioversion oder eine deutsche Version von “Privatie”, “Posh”, “Soul Cought”, “Aua”, “Schade”, “More More More” oder “Frühstücksbrett”. Man wird sehen, aber bis dahin wird weiterhin “Nullkommaeinsprozent” gehört.

Hörempfehlungen:
- Wenn’s so weitergeht
- Was fällt dir ein
- Wir müssen reden
- Dein Ego
- Querfeldein
- Nullkommareinsprozent
- Saltoüberschlag
- Wie spät ist jetzt
- Kommen aus dem Wasser
- Schmoove
- Hier ein schönes Lied

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Blind Guardian – At The Edge Of Time

Anzahl der Tracks: 10 + 6 (bei der Special Edition samt “Sacred” Videoclip und Studio Dokumentation)

Gesamtlaufzeit der Standard Version: ca. 64 Min.

Es liegt mittlerweile zwölf Jahre zurück, seitdem ich das erste Mal in Kontakt mit der Musik und den sehr interessanten Cover Artworks von Blind Guardian kam. Es war die Zeit als das siebte Studioalbum “Nightfall In Middle-Earth” in den Läden stand und die Band, damals noch mit Thomas “Thomen” Stauch an den Drums, in den Ruhr-Rock-Hallen in Dortmund eine Autogrammstunde abhielt. Leider war Gitarrist André Olbrich aus gesundheitlichen Gründen nicht vor Ort, aber dieser Moment gehört immer noch zu meinen persönlichen Highlights. Vor allem, weil mein Kollege Dennis Strillinger und ich uns nach der Autogrammstunde einfach das Recht herausnahmen, die Herren anzusprechen und kurz über das aktuelle Album und das Fehlen von Olbrich zu sprechen. Es war einfach der Hammer für mich als aufstrebenden Musiker seine Helden live in Persona erleben zu können. Seitdem ist das Verleihen meiner “Nightfall In Middle-Earth” CD ein wahrer Vertrauensbeweis, weil sich im Inlay die drei Unterschriften der Krefelder befinden. An meinem Dasein als Blind Guardian Fan hat sich bis heute nichts geändert. Ich fiebere mit voller Begeisterung jeder Veröffentlichung entgegen und kann es schon Tage davor nicht mehr erwarten bis es endlich soweit ist. Egal welchen Weg sie einschlugen es hat mir nichts ausgemacht, denn es gab immer irgendwas für meinen Geschmack.

Wie jeder Fan habe ich mich schon an den typischen Veröffentlichungsrythmus der flotten Vierers gewöhnt und warte brav die vier Jahre zwischen den einzelnen Studioalben ab ohne mich zu beschweren. Dieses Prozedere liegt mir so oder so im Blut, weil ich es nicht anders kennengelernt habe. Schließlich setzte dieser Rythmus mit dem Erscheinen von “Nightfall In Middle-Earth” ein und wird seitdem so fortgeführt. Vier Jahre sind eine lange Zeit in der man sein Interesse durchaus verlieren kann, aber es bedeutet auch was lange währt, wird endlich gut. Dieses Konzept ging für mich bei allen Alben nach “Nightfall In Middle-Earth” auf, auch wenn diese meine absoluten Lieblingsalben “Imaginations From The Other Side” (1995) und “Somewhere Far Beyond” (1992) nicht übertrafen. Trotzdem ließen sich immer eine Handvoll und mehr Songs finden, die noch heute sehr gerne gehört und mitgeträllert werden.

Bei “At The Edge Of Time” ist es genauso und der negative Stempel des “Kennst du einen Song, dann kennst du alle!” ist schon lange bei Blind Guardian ein positives Markenzeichen. Die Band weiß es einfach wie man trotz Abschweifungen, leichten Wiederholungen und dem Einbinden neuer Einflüße ein solides und überzeugendes Album abliefert, dass den typischen Blind Guardian Sound und Touch inne hat. So lässt sich auch hier das weitere Spektrum des musikalischen Treibens der Band wiederfinden.
Da wären natürlich die Pfeil schnellen und Messer scharfen Speed Metal Granaten wie “Tanelorn (Into The Void)”, die aktuelle Single “A Voice In The Dark” und “Road Of No Release”, die nicht nur die Nackenmuskeln in die Knie zwingen, sondern auch zum Mitsingen und stellenweise Mitkreischen einladen.
Wer es lieber ein wenig gemächlicher haben will und sich nicht so recht zwischen ruhig und hart entscheiden kann wird mit “Road Of No Release”, “Valkyries”, “Control The Divine”, “Wheel Of Time” und der neuen Version des für das Action-Rollenspiel und gleichzeitig letztem Ascaron Hit “Sacred 2: Fallen Angel” komponierten “Sacred” namens “Sacred Worlds” glücklich werden. Besonders “Wheel Of Time” muss hier hevor gehoben werden, weil dieser Song die perfekte Fusion aus Blind Guardians musikalischen Geschichtern ist. Hierbei liefern Blind Guardian ihre typische Metalfaust samt Percussionparts, während das Prager Symphonieorchester mit ihrem Können ihnen die Hand reicht und den orchestralen Sound der Krefelder auf ein noch nie da gewesenes Level heben. Ursprünglich war dieser Song für das lang auf sich wartende Orchester Projekt gedacht, dass komplett unverzerrt und ohne Schlagzeug daher kommen und vor allem mehr kürschen Gesang und Orchester bieten soll. Jedoch war die Band nicht so ganz überzeugt von diesem Song in diesem Projekt und so gaben sie ihm einen orientalischen Touch und drehten die Gitarren wieder aufs los Schreddern.
Wie auf jeder Platte darf auch hier das sanfte Gemüt mit großer Begeisterung für folkige Schunkeleinlagen seine strahlende Freude haben mit dem leicht verträumten und durchweg vom Klavier begleiteten Stück “War Of The Thrones” und dem “Bard’s Song” dieser Scheibe “Curse My Name”. Hier kommen Percussions, Marschtrommeln, Akustik Gitarren, Geigen, irische Flöten und sogar man höre und staune Steptänzer zum Einsatz, die im vermischten Ganzen mit Hansi Kürschs Gesang samt Chor im Hintergrund einem eine Gänsehaut verpassen. Man hat wirklich das Gefühl gleich in seine letzte Schlacht zu ziehen und für den Sieg alles zu geben was man hat.
“At The Edge Of Time” bietet einen guten Mix aus dem musikalischem Schaffenswerk der Krefelder und sollte somit allen Fans, ob alt oder jung Fans, was bieten, um zufrieden die nächsten vier Jahre geduldig zu überstehen.

Fazit:
Ich kann mich nur wiederholen, denn mit “At The Edge Of Time” schlagen die Krefelder mit mehr Elan, Tempo und Hang zur Perfektion in die für mich bis heute gut klingende Kerbe, wie die Alben zuvor. Naja vielleicht treffen sie dieses Mal die Stelle sogar einen Ticken besser als die Jahre davor. Die Band ist weder stehen geblieben noch ihren Weg zurück gegangen. Blind Guardian gehen beständig ihren Weg weiter, nur führt dieser in gefühlt gewohnte Gefilde, die irgendwie bekannt, aber trotzdem neu wirken. Schließlich ist man immer da zu Hause, wo das Herz ist und das liegt nicht im Jahre 1998 oder 1995, sondern im hier und jetzt. Das machen sie auch deutlich, indem sie ihr breites Spektrum an temporeichen Speed Metal, bombastischen Orchesterwellen, folkigen Bardenliedern, sanften Balladenklängen und hymnenhaften Refrains ankarren und es zu einem großen Ganzen vermischen und diese Suppe mit teils orientalischen, teils bis jetzt unbeachteten und teils von Grund auf selbstgemachten Klängen bzw. Gewürzen verfeinern. Diese Mischung bietet wie gewohnt den typischen Blind Guardian Sound und Touch, der bis jetzt jedes Album der Krefelder Band ausgemacht hat und sie berühmt gemacht hat. Was mir ein wenig fehlt trotz all dieser positiven Eindrücke und Momente auf der Platte ist der absolute Kracher, wie “Mirror Mirror”, “Another Holy War”, “Somewhere Far Beyond” oder “Journey Through The Dark”, die mir einen Schauer den Rücken runter laufen lassen und keinen Zweifel aufkommen lassen nicht als künftiger Klassiker der Band angesehen zu werden. “A Voice In The Dark” hat zwar das Tempo und “Valkyries” die Strophe und den Refrain zu solch einem Song, aber es fehlt genau der Song, der diese Elemente in sich vereint. Das soll nicht heißen, dass die Songs des Albums schlecht sind. Keineswegs, nur wäre solch ein Song der strahlende Punkt auf dem völlig überzeugendem i namens “At The Edge Of Time”. Vielleicht versteckt er sich auf dieser Platte und ich muss ihn noch finden, denn je öfter ich die CD höre, desto besser werden die Songs für meinen Geschmack. “At The Edge Of Time” ist nicht das beste Album der Band und übertrifft auch nicht meine Lieblingsalben der Band, aber es gehört definitv zu den besseren Alben. Viel mehr brauche ich auch nicht als Fan, um auf das nächste Album problemlos warten zu können.

Hörempfehlungen:
- Valkyries
- Curse My Name
- A Voice In The Dark
- Sacred Worlds
- Ride Into Obsession
- Road Of No Release
- Control The Divine
- Tanelorn (Into The Void)
- War Of The Thrones
- Wheel Of Time

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Blind Guardian – A Voice In The Dark:

Blind Guardian – “The sacred wheel of time cannot erase the medieval song” Session Part 1:

Blind Guardian – “The sacred wheel of time cannot erase the medieval song” Session Part 2:

Blind Guardian – “The sacred wheel of time cannot erase the medieval song” Session Part 3:

Blind Guardian – “The sacred wheel of time cannot erase the medieval song” Session Part 4:

Blind Guardian – “The sacred wheel of time cannot erase the medieval song” Session Part 5:

Blind Guardian – “The sacred wheel of time cannot erase the medieval song” Session Part 6:

VersaEmerge – Fixed At Zero

Anzahl der Tracks: 11 + 4 (bei der Deluxe Edition)

Gesamtlaufzeit der Standard Version: ca. 47 Min.

Für VersaEmerge war das Jahr 2009 trotz des Wechsels der Plattenfirma zu Fueled By Ramen und der dort veröffentlichten und zudem recht erfolgreichen EP “VersaEmerge” ein schwerer Schlag. Im September verabschiedete sich nach vier Jahren das Gründungsmitglied Anthony Martone (Schlagzeug) von der Band aus persönlichen Gründen. Dies sollte aber nicht die letzte Verabschiedung sein, denn zwei Monate später nahm auch Gitarrist Jerry Pierce seine Sachen. So wurde aus dem einstigen Quintett ein Trio, dass trotz dieser großen Umstellungen ins Studio ging, um zu zeigen, dass VersaEmerge nicht am Ende sind, sondern gerade erst richtig durchstarten. Dies versuchen nun Sängerin Sierra Kusterbeck, Gitarrist Blake Harnage und Bassist Devin Ingelido mit “Fixed At Zero” zu beweisen.

Was beim Durchhören des Albums direkt auffällt ist, dass die Band ihren seit 2008 selbst gesponnenen roten Faden weiterhin in der Hand hält und ihm folgt. Zwar nehmen sie diesen stelleweise mit auf einen kurzen Abstecher, um neues Terrain zu entdecken, aber trotzdem bleibt sich VersaEmerge treu. Wie schon auf ihren EPs rocken sie was das Zeug hält und schmücken experimentierfreudig ihre Songs mit immer mehr Schichten, um ihnen noch mehr Volumen zu geben. Da ist es nicht verwunderlich, wenn sie ihren Hang zu Steicher- und Synthyparts weiter ausbauen und neben dem Klavier und Xylophon, auch endlich die von ihren spontanen Liveeinlagen bekannte Akustikgitarre in ihren Liedern nutzen. So bewegt sich das Trio zwischen schnelleren und langsamen Einlagen hin und her, ohne dass die Stücke an Fahrt und Wirkung verlieren.
Mit “Fixed At Zero” nimmt VersaEmerge den Hörer mit auf eine Reise in verschiedene Klangwelten. Mal düster und unheimlich bis die Sonne durch die Wolken scheint wie in “Figure It Out”, mal gesanglich sanft und vertrauensvoll während die Orgel des “Mind Reader” einen hypnotisch mit seiner Zirkusmelodie in seinen Bann zieht oder mal beklemmt in einem Studel aus dem es kein Entkommen gibt und man somit dauerhaft den Status “Fixed At Zero” inne hat.”Stranger” liefert den Kampf zwischen dem Guten und Bösen in einem Menschen und lässt diese Ichs auch musikalisch gegeneinander antreten bis das Ende für den Hörer offen bleibt. Bei “Redesign Me” lockt den Hörer eine Spieluhrmelodie, die mysteriös klingt, aber trotzdem die Neugier weckt ihr zu folgen und alles hinter sich zu lassen, was eventuell vorher wichtig war und sich letzten Endes als richtig herausstellen könnte. “Up There” baut auch ein Konstrukt aus düsteren und unheimlichen Klängen um sich, dass auf einen wartet und mit einer Harfe im Hintergrund, den Gedanken pflegt alles sei nur ein simpler Albtaum auch wenn vielleicht wahr oder sich nur im Kopf abspielt. Das Album ist vielmehr der Score eines Films als eine schnöde Platte einer Band. Jede Textzeile wird von der Musik passend und stimmungsvoll unterlegt und ergibt, sofern man sich drauf einlässt, erst nach mehrfachem Hören ein großes Ganzes und die Geschichte, die sich dahinter verbirgt. Dies bedeutet, aber nicht, dass man die Songs nicht genießen kann, wenn man nicht jeder Zeile mitlesen und jedes Detail im Hintergrund raushören möchte.
VersaEmerge schaffen es diesem Score das von den EPs bekannte Gefühl zu geben, um zu den Songs abzugehen, die Nackenmuskeln in Bewegung zu setzen, dabei mitzusingen oder einfach im Falle der ruhigen Songs zu träumen. Die wohl schnellsten Songs der Platte sind “Mind Reader” und “Fire (Aim Your Arrows High)”. Vor allem letzterer ist der absolute Kracher auf der CD. Besonders anzumerken ist hierbei, dass sich Kusterbeck und Harnage die Gesangparts teilen. Während er mit Gefühl die Strophen ins Mirko haucht, setzt Kusterbeck im Refrain mit allem was sie hat zum Schuss an. Die Dynamik des Duos macht definitiv Lust auf Mehr und so finden wir das Duo im genauso genialem “Your Own Love” wieder, wobei Harnage nur eine Strophe übernimmt. Diese sind auch für mich das Highlight des Songs, denn sie sitzen perfekt und haben was mitreißendes das ich nicht beschreiben kann. Zusammen mit “Fixed At Zero” und “Figure It Out” gehört dieser Titel zu den Songs mit denen selbst Fans der rockigeren EP “Percetions” leicht was anfangen können, auch wenn “Figure It Out” mit einem an Spaghetti Western erinnernden Gesang im Intro und der durchweg gespielten Akustikgitarre aus dem gewohnten Rahmen fällt. So ist es auch mit dem Großteil der Songs, denn obwohl sie die bekannte Handschrift von VersaEmerge aufweisen geben ihnen die vielen neuen Schichten von Instrumenten und Klängen einen leicht veränderten Touch. Dieser lässt aber nichts vermissen, sondern bereichert die Stücke ungemein.
Die Ballade “You’ll Never Know” zum Beispiel geht mit Akustikgitarre und Klavierbegleitung samt Xylophon und Flöten im Nacken recht gemächlich voran und fährt dann im Refrain, wo die Band gewohnt in die Saiten haut, Streicherparts auf, die sich weder hervorheben noch in der Mischung untergehen. Es ist fast so als würde jedes Instrument und der Gesang sich auf einer Ebene befinden ohne jemanden in den Hintergrund stellen zu wollen. Das Ende des Refrains markieren jeweils ausdrucksvolle Klavierakkorde, die mir direkt hängen geblieben sind und bei jedem Hörgang gefeiert werden. Im Finale gesellt sich das Klavier mit zu den Streichern und der Band ergibt einen klangvollen Abschluss.
“Up There” wir in der Strophe vom Klavier und einer Harfe dominiert bis die Band mit Streichern im Gepäck zum Refrain einsetzt und auch hier findet das Xylophon und die Akustikgitarre wieder ihre Verwendung.
Selbige Vielfalt an Instrumenten beinhaltet auch “Lost Tree”, der das komplette Album in sich vereint, mit Zeilen der anderen Songs einen wunderbaren Abschluss liefert und somit wieder am Punkt Null ankommt. Dieser Song hätte die erste reine Akustikballade der Band werden können, aber die Band kann nicht anders als irgendwann im Song wieder auf die Tube zu drücken. Das mag zwar schade sein, aber es ist nur der letzte Song des Albums. Mögen somit viele weitere folgen.

Fazit:
Anders als andere Band bleiben VersaEmerge nicht stehen, sondern gehen kontinuierlich ihren Weg weiter, um sich selbst und ihren Stil zu finden. Den haben sie an sich bereits schon gefunden, aber trotzdem halten sie überall Ausschau nach Elementen, damit ihre Songs noch mehr Tragweite gewinnen und den Hörer umso mehr begeistern. Mit “Fixed At Zero” äußern VersaEmerge klar, dass die Zeiten in denen sie mit Paramore und Co verglichen wurden allemal vorbei sind. Allein die klangliche Vielfalt in ihren Songs, die sehr an Film Scores erinnern lässt, und die Experimentierfreude solche Schritte zu gehen machen den großen Unterschied zwischen den Bands aus. Das Album nimmt den Hörer förmlich auf eine Reise mit durch Selbstzweifel; die Angst zu Versagen; den Glauben sein Ziel zu erreichen; die Veränderungen, die man im Leben durchschreitet mit sämtlichen Konsequenzen und vielem mehr bis man wieder am Start angelangt ist. Mir hat dieses Album sehr gefallen. Anfangs war ich zwar ein wenig skeptisch, weil es für den ersten Moment zu viel des orchestralen Anstrichs war, aber mittlerweile weiß ich diesen sehr zu schätzen und auch die vielen Details, die sich im musikalischem Gewand der Songs befinden. Nach jedem Hörgang entdeckt mehr von diesen Schichten, die den Songs mehr Bedeutung geben. Trotzdem weiß die Band zu überzeugen und liefert wie gewohnt eine Mischung aus rockigen und ruhigen Songs, die zeigen, dass die Band trotz schwerer Schläge als Trio stärker denn je und nicht bei null stehen geblieben ist. Sie legen überall nochmal eine Schüppe drauf, sei es das Songwriting oder die ohnehin schon gute Gesangsleistung von Sierra Kusterbeck. Ich für meinen Teil bin völlig zufrieden und gespannt, ob das Trio sich beim nächsten Album noch übertreffen kann.

Hörempfehlungen:
- Fire (Aim Your Arrows High)
- Your Own Love
- Fixed At Zero
- Mind Reader
- Figure It Out
- Stranger
- Redesign Me
- You’ll Never Know
- Mythology
- Up There
- Lost Tree

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VersaEmerge – Fixed At Zero:

In Legend – Pandemonium

Anzahl der Tracks: 4

Gesamtlaufzeit der Standard Version: ca. 19 Min.

Es ist schon komisch von Metal zu sprechen, wenn man die für diese Gangart typischen verzerrten Gitarren nicht hören kann. Man könnte zwar meinen, dass dadurch der Musik von In Legend die charakteristische Essenz fehlt, um sie in der Metalsparte einzuordnen, aber dem ist nicht so. Von der ersten Sekunde an hämmert sich In Legends Mischung aus Klavier, Bass und Schlagzeug in den Gehörgang und auch in den Nacken. Die aufkommende Energie, die das Trio in ihren Songs und auf der Bühne versprüht, steht in keinster Weise der einer typischen Metalband nach. Dafür sind Bastian Emigs Werke zu sehr vom Metal beeinflusst. Sein Talent fürs Songwriting stellte er schon einige Jahre zuvor als Drummer in seiner alten Band Jester’s Funeral unter Beweis, die noch heute einen festen Platz in meiner Metallandschaft haben und zu den wenigen Bands gehören mit denen ich in meiner alten Band Chainheart die Bühne teilen durfte. Bei Jester’s Funeral saßen die Songs zum Großteil wie die Faust aufs Auge und sind noch heute eine mitreißende Welle aus Ohrwürmer, die einen erobern und nicht mehr loslassen wollen. Diesen strahlenden Funken legte Emig aber bei der Beerdigung des Hofnarrens nicht mit ins Grab, sondern teilte ihn mit seinem Bandkollegen Stefan Schmidt, um ihn in ihre eigenen Projekte Van Canto und In Legend zu neuem Glanz zu verhelfen. Die Auswirkungen kann man bereits sehen, da Van Canto ihren Platz in der Metalbranche fest erobert haben und In Legend auf dem Weg sind selbiges mit ihrem Piano Metal zu erreichen.
So genug von den alten Tagen und nun zurück ins Hier und Jetzt und zur “Pandemonium” EP. Die Einleitung macht der gleichnamige Titel “Pandemonium”, der nicht nur der Vorzeigetitel dieser EP ist, sondern auch ein gute Beispiel ist was man von In Legends musikalischem Treiben so erwarten kann. So wird deutlich, dass das Klavier das treibende Element dieser Konstellation ist und die fehlenden Gitarren schnell vergessen macht. Anstatt zu Genre typisch zu schreddern wird hier mit vollem Einsatz gehämmert was das Zeug hält und das hinterlässt in den ersten Sekunden von “Pandemonium” einen bemerkenswerten Eindruck. Nach 25 Sekunden setzt die gefühlvolle Seite der In Legend Klangwelt ein und auch Emigs Stimme, die aus ihrem Wechsel aus sanft klaren und verkratzt rauen Einlagen einen gewisschen Charme inne hat, dem man sich nicht entziehen kann und sehr an die Stimme seines Kollegen Schmidt erinnert. Ich frage mich dadurch noch heute wer auf den Jester’s Funeral Alben nun wirklich gesungen hat. Kaum beim Refrain angekommen ergießt sich hier die vorher angesprochene Ohrwurmwelle, die spätestens beim zweiten Hören zum Mitsingen aufruft.  Zum Ende hin zeigt Emig noch, dass er sowohl mehrstimmige Parts gekonnt meistern und diese Stellen zu einem Gänsehaut verursachenden Moment verwandeln kann.
“Prestinate” hingegen dreht den Spieß um und beginnt sehr gefühlvoll, um dann die Preßlufthammer zum Einsatz zu rufen. Mit Schwung und Druck setzt Emigs Stimme zur Strophe an und leitet damit den Weg zum hymnenhaften Refrain ein, der einfach mitgeschrieen werden muss und nur so vor mitreißender Kraft strotzt.
Ähnlich ist es auch beim Pedal To The Metal Äquivalent des Piano Metals “The Healer (Inclusive Remedy)”. Bei diesem Song wird das Tempo nur recht selten gezügelt und trotzdem kommt dieser Titel mit sehr gefühlvollen und vor allem mehrstimmigen Gesangseinlagen daher, die mir im Ohr hängen bleiben. In Sachen Refrain bleiben sich In Legend treu und sorgen für erneute Mitträllermöglichkeiten, denen man sich nicht entziehen möchte und kann. Bei der Hälfte des Songs wechselt dieser in einen zweiten Part namens “Remedy”, der um ein Viehlfaches ruhiger von statten geht. An dieser Stelle werden auch die hier und da verwendeten Samples hörbar deutlich.
Das Finale der EP nennt sich “Heya” und ist zwar stellenweise noch einen Ticken schneller als sein Vorgänger, nur tritt die Band hier öfters auf die Bremse. In meinen Augen weist dieser Song zwar die selben Merkmale der bereits genannten Songs auf, aber haut mich nicht durchweg vom Stuhl. Dafür finde ich die Strophe und den Refrain zu eintönig. Erst mit dem Break im letzten Viertel des Songs werde ich wieder ganz Ohr und klebe am musikalischem Klangbild des Trios. Das ist leider ein bisschen zu wenig, aber ändert nichts an meinem Gesamteindruck.

Fazit:
In Legends erstes Werk verpackt als EP ist eine erfrischende und abwechslungsreiche Einladung in ein unerforschtes Genre der Metallandschaft. Ohne verzerrte Gitarren reisen die drei Herren hinaus, um uns und dem Rest der Welt zu zeigen, dass es möglich ist Metalsongs zu schreiben und zu präsentieren, die völlig ohne das Instrument bekannter Helden wie Jimmy Page, Ritchie Blackmore, Jimmy Hendrix, Joe Striani, Steve Vai, Kirk Hammett, Alex Skolnick und Co. auskommen. Das dieses Vorhaben überhaupt kein Schuß in den Ofen ist machen die vier Songs dieser EP deutlich. Nebend gefühlvoll melodischen bis zu hämmernd schnellen Momenten bietet In Legends “Pandemonium” EP vor allem eine Menge an Ohrwurmpotenzial und mitreißende Refrains und mehrstimmige Parts, die Lust auf mehr machen. Das dabei der Jester’s Funeral Fan in mir auch eine gehörige Packung nach knapp vier Jahren Durstrecke erhält ist ein besonderer Bonus über den ich mich sehr feure. Man kann gespannt sein was noch so aus dem Lager von In Legend auf uns zukommen wird. Das erste Album lässt nicht mehr lange auf sich warten.

Hörempfehlungen:
- Prestinate
- Pandemonium
- The Healer (Inclusive Remedy)
- Heya

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In Legend – Pandemonium:

In Legend – Heya (Live in Hamburg – 04.04.2010):

In Legend – The Healer (Live in Hamburg – 04.04.2010):

In Legend – Prestinate (Live in Hamburg – 04.04.2010):

In Legend – Me Against The Wall (Live in Hamburg – 04.04.2010):

In Legend – Pandemonium (Live in Hamburg – 04.04.2010):

In Legend – Vortex (Live in Hamburg – 04.04.2010):

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Ben Folds:
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Merton – Interview:

Merton – Chatroulette Funny Piano Improv #1:

Merton – Chatroulette Funny Piano Improv #2:

Merton – Chatroulette Funny Piano Improv #3:

Merton – Chatroulette Funny Piano Improv #4 – Vanessa (Outtakes):

Ben Folds – Interview:

Ben Folds – Ode To Merton #1:

Ben Folds – Ode To Merton #2:

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Andy Rehfeldt – Rock God:

Miley Cyrus – The Climb (Metal Version):

Miley Cyrus – Party In The USA (Metal Version):

Taylor Swift – You Belong With Me (Metal Version):

Justin Bieber – Baby (Metal Version):

Justin Bieber – Baby (Death Metal Version):

Kesha – Tik Tok (Polka-Metal Version):

Lady Gaga – Poker Face (Polka Version):

Black Eyed Peas – I Gotta Feeling (Psycho Version):

Andy Rehfeldt Feat. The Markness – What A Wonderful World:

Cannibal Corpse – Hammer Smashed Face (Radio Disney Version):

Motorhead – Ace Of Spades (Broadway Musical Version):

Slipknot – Wait And Bleed (Radio Disney Version):

Dragonforce – Through The Fire And Flames (Country Version):

Nirvana – Smells Like Teen Spirit (Reggae Version) :

Kiss – Detroit Rock City (Reggae Version):

Lamb Of God – Set To Fail (Smooth Jazz Version):

Metallica – Enter Sandman (Smooth Jazz Version):

Ozzy Osbourne – Crazy Train (Smooth Jazz Version):

Enter Love Machine – The Miracles vs. Metallica Mash-up:

Karen Elson – The Ghost Who Walks

Anzahl der Tracks: 12 + 1 (als Zusatz bei iTunes)

Gesamtlaufzeit der Standard Version: ca. 40 Min.

Das ehemalige Fotomodell Karen Elson und seit längerem auch Ehefrau von The White Stripes Frontmann Jack White hat am 25. Mai ihr Debutalbum „The Ghost Who Walks“ veröffentlicht. Natürlich war es bei dieser Konstellation nur normal, dass Jack White sein musikalisches Wissen und seine Erfahrung mit einbringt und seine Frau bei ihrem Projekt unterstützt. Karen und Jack sind jedoch schnell dabei zu versichern, dass Jack nur beratend bei der Produktion der Platte dabei war und seiner Frau vollkommen freie Hand gelassen hat um sich selbst auzudrücken.
Seine rothaarige Freundin bettet er bei ihrem Debut in eine White Stripes artige Klangkulisse die mit ihren Orgelsounds und Gitarren an The Doors oder Jefferson Airplane erinnert. Karen selber steuert ein zartes Stimmchen und ihr hübsches Äußeres für Videos bei. Herausgekommen ist dabei eine Mischung aus folkigen, poppigen und Indieklängen die zu einer stimmigen Atmosphäre mit Herzschmerztexten beitragen. Was auf den ersten Blick noch interessant klingt, stellt sich nach einiger Zeit als eine Sammlung bereits erprobter Melodien heraus welche passend zu Karens Stimme ausgewählt wurden. Auch bietet Karen Elson wenig musikalische Finesse und zeigt auch kaum Abwechslung in ihrem Gesang.

Fazit:
Karen Elson hat mit ihrem Debutalbum eine interessante Mischung aus verschiedenen typischen Versatzstücken der alternativ-indie pop-folk  Szene gebastelt. Ihre seichte Stimme, Hammondorgel, leichte Gitarrenklänge und ein gewisses Indiefeeling sorgen für die richtige Atmosphäre. Der Titel „The Ghost Who Walks“ passt zwar sehr gut zu Karen Elson und ihrer seichten Stimme, aber auch zum Album insgesamt welches sich nach mehrmaligem Hören als zu seicht und „geisterhaft“ herausstellt. Interessanterweise empfand ich es beim ersten Hören als weniger störend, dass viele Songs so klingen als hätte man sie schon mal woanders (besser?) gehört. Nachdem ich nun die Platte etwas länger gehört habe stört es mich doch mittlerweile deutlich mehr als zu Beginn und lässt das Album uninspirierter und mainstreamiger wirken als ich es im Podcast eingeschätzt habe. Fans der White Stripes und Werbe-Onkel können sicherlich mit diesem Album etwas anfangen. Wer jedoch nur die Single im Radio gehört hat, sollte dringend vorher Probe hören um nicht am Ende enttäuscht zu werden.

Hörempfehlungen:
- The Ghost Who Walks
- Stolen Roses
- Garden
- Pretty Babies

Links:
Offizielle Seite

Karen Elson – The Ghost Who Walks:

Karen Elson – The Ghost Who Walks (Live Acoustic):

19.06.2010 (20:30 Uhr): Paradiso – Dorfstraße 21, 23795 Weede

24.06.2010 (20:30 Uhr): Funambules – An der Obertrave 18, 23552 Lübeck

Wer, wie wir, nicht in Schleswig-Holstein und Umgebung wohnt, aber sich dennoch von ihrer Musik berauschen lassen will, der kann sich ja die Alben schnell und einfach per Download auf musicload.de und mp3.de nach Hause holen.

Kiss The Girl… Continued:

The Little Mermaid – Kiss The Girl:

A Bit Of Fry And Laurie – Hugh Laurie’s Song For America:

A Bit Of Fry And Laurie – There Ain’t But One Way:

A Bit Of Fry And Laurie – Too Long Johnny:

A Bit Of Fry And Laurie – The Polite Rap:

A Bit Of Fry And Laurie – All We Gotta Do:

A Bit Of Fry And Laurie – The Sophisticated Song:

A Bit Of Fry And Laurie – I’m In Love With Steffi Graf:

A Bit Of Fry And Laurie – Mystery:

A Bit Of Fry And Laurie – Little Girl:

Cambridge Footlights Revue: Hugh Laurie And Tony Slattery – If You Can’t Smoke It, Kick It To Death:

Hugh Laurie – All We Gotta Do 2.0:

Jesse Selwyn – Up2 You + Me (Featuring Jim Parsons):

Jesse Selwyn – A Gamer’s Evolution:

Broken Bells – Broken Bells

Anzahl der Tracks: 10 + 1 (als Zusatz der iTunes LP, bzw. B-Seite der Single „The High Road“)

Gesamtlaufzeit der Standard Version: ca. 36 Min.

Manche Alben haben eine sehr merkwürdige Entstehungsweise. So versuchen Bands mittels eines Albums ihren toten Kumpel zu würdigen, andere ziehen extra für die Zeit der Aufnahme in alte Gruselvillen, wiederum andere Bands treffen sich nach Jahren ohne Kontakt untereinander und nehmen in drei Tagen das nächste Top 10 Album auf.
Bei Broken Bells war der Grund dann doch ein anderer, aber kaum weniger ungewöhnlich als das Wohnen in alten Spukschlössern. Hinter dem Namen Broken Bells stehen zwei Musiker, die sonst auf anderen Pfaden wandeln. Da wäre zum einen James Mercer, der Sänger der Inide-Rock Band „The Shins“, und zum anderen noch Brian Burton, den viele sicher durch sein Gnarls Barkley Projekt kennen dürften. Nun, die beiden Herren trafen sich irgendwann im Backstagebereich eines Festivals und stellten fest, dass sie doch musikalisch Gemeinsamkeiten besaßen und bei Zeiten gerne zusammenarbeiten würden. Der simple Grund für ihre jetzt veröffentlichte Zusammenarbeit war schlicht Langeweile. Besser ausgedrückt, fühlten sich Mercer und Burton von ihren jeweiligen Projekten eingeengt und wollten etwas anderes probieren. Heimlich traft man sich dann im Studio von Burton und begann mit den Aufnahmen.
Das Endprodukt dieser Kollaboration klingt in etwa wie es sich auf dem Papier auch liest. Burton bringt seinen Gnarls Barkley Sound mit, während Mercer lässig indiemäßig rockt. Der Sound ist ein klar definierter Mix aus Brit-Pop Anklängen, Indierock mit Mercer Gesang, souligen Beats und Gesang von Burton sowie netten Synthieparts. Das ist weder revolutionär noch wirklich neu, doch klingt es in dieser handwerklich guten Mischung wunderbar bekannt und doch etwas experimentell. Mir ist beim Hören aufgefallen wie gut die einzelnen Songs sich trotz ihrer Unterschiede in das Gesamtwerk des Albums einfügen und beim Hören immer mehr eine Symbiose eingehen und zusammenfließen. Es ist mir mehrmals passiert dass ich nicht ganz sicher war ob das was ich gerade höre noch der selbe Song ist oder schon der nächste. Das liegt natürlich am feinen Produzentenhändchen von Brian Burton, der ja schon sein Können beim Grey Album gezeigt hat, aber auch am Gesang von James Mercer der sich soulig bis rockig durch das Album zieht. Broken Bells ist mit ihrem gleichnamigen Album eine sehr homogene Platte gelungen die ihren Reiz vom leicht experimentellen, aber nie überdrehten, Sound zieht und wunderbar als leichte Frühlingsplatte durchgeht.

Fazit:
Frühlingsplatte ist wirklich die beste Beschreibung die ich hierfür anbieten kann, denn das Album bietet leicht melancholische Tracks mit Winterstimmung, genauso wie soulig-rockige Stücke die den Sommer erahnen lassen. Es ist eine Platte die Spaß macht, schön anzuhören ist, die man aber leider auch recht schnell wieder vergisst. Gerade der letzte Punkt ist mir nach mehrmaligem Hören der Platte negativ aufgefallen. Vor allem die ersten Male wirkt die Platte noch sehr frisch und neu, während sie dann mehr und mehr an Fahrt verliert und von echten Sommerplatten überholt wird. Doch man kann sie ja im nächsten Frühjahr wieder hervorholen und neu entdecken.

Hörempfehlungen:
- The High Road
- The Ghost Inside
- Sailing To Nowhere
- October

Links:
Offizielle Seite

Broken Bells “The High Road”

Das Line Up:
- Die Apokalyptischen Reiter
- Dark Tranquillity
- Skyclad
- Rotting Christ
- Adorned Brood
- All We Hate / Guerrilla
- Blood Red Angel
- Dark Age
- Debauchery
- Elvenking
- Excrementory Grindfuckers
- Folkedudl / Chainheart
- Grailknights
- Gun Barrel
- Hate Factor
- Insignium
- Jack Slater
- Motorjesus
- Orphan Hate
- Persefone
- Raintime
- Synasthasia
- Van Canto

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Halt! Das ist noch nicht alles! Im Vorfeld des Dong Open Airs wird unter dem Motto “The Brutal Way” am 24.04.2010 die Dong Open Air Warm-Up Party im Bollwerk 107 in Moers stattfinden. Dort habt ihr die Möglichkeit Bands wie Maroon, Hackneyed, Grind Inc., Crosshead und einige weitere live zu erleben. Mehr Infos findet ihr demnächst unter den oben genannten Links.

Massive Attack – Heligoland

Anzahl der Tracks: 10 + 6 (in der bei iTunes erhältlichen Deluxe Box Edition, vornehmlich Remixe bereits auf dem regulären Album enthaltener Titel)

Gesamtlaufzeit der Standard Version: ca. 53 Min.

Massive Attack ist eine meiner absoluten musikalischen Lieblinge, wenn nicht sogar mein absoluter Favorit. Aus diesem Grund freue ich mich natürlich immer immens, wenn die Band endlich wieder neues Material veröffentlicht und die oftmals viel zu lange Wartezeit ein Ende hat. Gerade die Wartezeit auf das aktuelle Album wurde immer schlimmer, gab es doch lange Zeit überhaupt keine Meldung ob die Band noch mal in absehbarer Zeit ein Album aufnehmen würde. Mit der „Splitting The Atom“ EP Ende letzten Jahres gab es dann wieder Hoffnung am Horizont und so sehnte ich den Tag herbei, an dem ich hoffentlich ein zweites „Mezzanine“ in meinen Händen halten könnte. Die 1998 erschienende dritte Platte der Band ist für mich immer noch eine Offenbarung und die bis dato beste Platte der Trip-Hop Pioniere. Dieses düstere, sehr intensive und fast schon wabernde Album ist genau der Sound den ich damals gesucht habe und nun jedes Mal aufs Neue von Massive Attack erhoffe. Dass „Mezzanine“ sicherlich ein Ausnahmealbum war, für die Band aber auch im Allgemeinen, macht die Sache natürlich nicht leichter für mich bzw. für meine Erwartungen an ein neues Album.

Nachdem ich dann aber im letzten Jahr die vorgeschobene „Splitting The Atom“ EP hörte, war ich frohen Mutes „Heligoland“ könnte der erhoffte Nachfolger meiner persönlichen Lieblingsplatte werden. Jetzt, wo ich genügend Zeit hatte mir das neue Machwerk von Robert Del Naja und Grant Marshall anzuhören, bin ich nicht ganz sicher wie ich es bewerten soll.

Zehn Songs haben es auf das Album geschafft, welches mit etwa 53 Minuten sich mehr der Länge der beiden ersten Alben annähert. Insgesamt sechs Gaststimmen haben Del Naja und Marshall für das neue Werk eingeladen und bieten eine sehr große Bandbreite an Stimmungen und Klängen an. Die beiden Gehirne hinter Massive Attack, Del Naja und Marshall, wollten, dass auf dem neuen Album der Sound natürlicher klingen sollte, so dass die Instrumente die man hört auch wirklich eben diese sind und keine computergenerierten Instrumente. What you hear is what you get, war die Devise, weshalb das Album einen sehr außergewöhnlichen Klang für eine Massive Attack Platte besitzt. „Mezzanine“ und „100th Window“, die beiden letzten Studioalben, waren sehr geprägt von elektronischen Klängen und Spielereien mit wabernden Klanglandschaften. “Heligoland” hingegen bietet eine Vielzahl unterschiedlicher Sounds an, was in meinen Ohren fast wie ein inoffizielles Best-Of der Band klingt.
Direkt der erste Track auf der CD – „Pray for Rain“ – mit dem „TV On The Radio“ Sänger Tunde Adebimpe ist eine Mischung aus Massive Attack typischem langsamen Gesang und gar untypischem klarem Trommelsound. „Splitting The Atom“ wird ganz von Grant Marshalls tiefer dubbiger Stimme getragen und nähert sich mit den Passagen von Del Naja und Massive Attack Veterean Horace Andy verdächtlich dem Sound von „Mezzanine“. Gerade genannter Horace Andy ist es auch, der alleine bei „Girl I Love You“ singt und sogar noch einen Schritt weiter in Richtung „Mezzanine“ geht, wobei die hier zum Einsatz kommenden Hörner etwas untypisch sind, jedoch eine sehr dramatische Stimmung heraufbeschwören. Eines der Highlights auf der „Splitting The Atom“ EP war in meinen Ohren der Remix von „Psyche“, weswegen ich natürlich sehr gespannt war, wie er denn nun „richtig“ klingt. Zu meinem Erschrecken musste ich feststellen, dass er gar nicht meinen Geschmack getroffen hat. Viel zu hektisch zuckelt hier ein Synthiebeat hin und her und nimmt dem tollen Gesang von Martina Topley-Bird jedes Gefühl von Getragenheit, dass dieser eigentlich verdient hat. Ebenfalls neu im Kreis der Kollaboratoren Massive Attacks ist Guy Garvey, welcher bei „Flat Of The Blade“ seine Stimme von einigen Hörnern und einem arg einfallslosen Metallgezierpe untermalen lässt. „Paradise Circus“ mit der sanften Stimme von Hope Sandoval orientiert sich meinen Ohren nach eher an den beiden ersten Alben und ihrem etwas munterem Sound, als mit Andy Vowles das Element des Hip-Hop noch richtig im Bandsound vorhanden war. Der einzige Track der mich richtig erschrocken hat – und das nicht im positiven Sinne – war „Saturday Come Slow“ mit einem sehr trägem Damon Albarn. Dessen Stimme ist meines Erachtens nach eh besser bei Blur und Co aufgehoben als in einem Song von Massive Attack, so dass leider eben genannter Samstag mehr als langsam vorbeizieht und sich eher wie ein Sonntag anfühlt. Zum Glück gibt es zum Ende mit „Atlas Air“ jedoch wieder einen tollen Song, der meine Fanseele wieder mit der Band und auch dieser Platte vereint. Mit diesem Song schlägt Robert Del Naja gesanglich und musikalisch die Brücke zwischen „Eurochild“ und „Antistar“ vom letzen Album.

Fazit:
Mein Text scheint mir, nun wo ich ihn noch mal querlese und überdenke, ziemlich harsch und negativ zu klingen. Das Album wird sicherlich nie meinen Favoriten „Mezzanine“ überholen, doch hat es sich mittlerweile seinen Platz in meinem Herzen verdient. Gerade diese sehr ungewohnte Mischung an ganz unterschiedlichen Sounds, welche mich erst etwas abschreckte, macht nun seinen Reiz für mich aus. So bietet jeder Song eine ganz eigene Atmosphäre und ist wie auch „Mezzanine“ viel mehr Sammlung einzelner Songs und Stimmungen anstatt ein stromlinienförmiges Kompaktalbum. Das wird nicht jedem Fan gefallen, doch sollte man diesem Album Zeit geben sich festzusetzen und lieber die CD ein paar Tage bei Seite legen um sie später neu zu erhören, anstatt sie direkt aufzugeben. Dafür hat sie zu viele gute Seiten, als dass ein Damon Albarn oder ein zu schnelles „Psyche“ einem den Genuss dieser Platte madig machen sollten. Menschen die bisher noch nie mit Massiv Attack in Kontakt gekommen sind, oder sie nur sehr partiell aus Werbung und Film kennen, sollten sich auf eine experimentell klingende Mischung aus Elektronik, einfachen Instrumenten und tollem bis ungewöhnlichen Gesang einstellen. Ich rate somit definitiv zum längeren Probehören.

Hörempfehlungen:
- Pray For Rain
- Splitting The Atom
- Girl I Love You
- Paradise Circus
- Rush Minute
- Saturday Come Slow

Links:
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Massive Attack – Splitting The Atom

Massive Attack – Flat Of The Blade

Chris Hülsbeck – Symphonic Shades:

Chris Hülsbeck: Symphonic Shades – The Great Giana Sisters:

Als Bonus gibt es noch den Link zu einem Interview von 3sat mit Chris Hülsbeck!

Wie immer war es reiner Zufall, dass ich auf Ewa Farna und ihre Musik gestoßen bin. Am Silvesterabend fand im polnischen Łódź im Auftrag von TVP2 eine Silvesterfeier auf dem Plac Wolności (Platz der Freiheit) statt, wie man sie jedes Jahr in einer um Längen schlechteren Variante auf RTL2 am Brandenburger Tor sehen kann. Diese Veranstaltung lief auch in unserem heimischen Fernseher während man gemeinsam am Tisch saß, um das Jahr 2009 zu verabschieden. Nach wenigen Minuten war ein neuer Ohrwurm für mich gefunden und die Künstlerin Ewa Farna war von da an auf meinem Radar, denn bei dieser Feier spielte sie ihre Singleauskopplungen “Cicho” und “Dmuchawce, latawce, wiatr” zum im Polen aktuellen Album “Cicho”. Allein “Cicho” reichte aus, um mich zu begeistern und mir zu veranschaulichen, dass in der 16 jährigen eine kräftige und gute Stimme steckt und nicht ein durch einen Hype als Talent angesehene untalentierte Dame, wie man es des Öfteren in unseren Landen hören muss. Kaum war das Jahr 2009 vorbei ging es ins Netz, um mehr über sie und ihre Musik zu erfahren. Zum Glück besaß einer unserer Gäste sogar die polnischen Alben von Ewa Farna, um nun diesen Text in die Tat umzusetzen.

Ewa Farna wurde 1993 in Třinec geboren und lebt nun im tschechischen Teil von Vendryně, Tschechien am Rande der Schlesischen Beskiden. Daheim spricht sie einen schlesischen Dialekt namens Gwara cieszyńska und sonst wie auf der Bühne sowohl in Interviews wechselt sie je nach Region ins rein Tschechische bzw. Polnische. Schon recht früh bemerkte man ihr Talent für Musik als auch Sport und so nahm sie nicht nur vermehrt erfolgreich an musikalischen Talentwettbewerben teil, sondern landete nach einer musikalischen Pause von Gesang und Klavier im Sportclub SKI Beskyd in dem sie sich auf den Slalom und die Abfahrt spezialisierte. Mit 11 Jahren gewann sie mehrere Gesangswettbewerbe und einer ihrer Auftritte in Havířov, Tschechien brachte ihr die Aufmerksamkeit des polnischen Produzenten, Komponisten und Texters Leszek Wronka ein. Mit seiner Hilfe nahm sie Demomaterial auf, dass dem tschechischen Ableger der Universal Music Group zugespielt wurde. Für mehr Aufmerksamkeit sorgte sie in der polnischen TV Sendung “Szansa na sukces” (Die Chance auf Erfolg) einer kleinen Variante von “Popstars” und Co. ohne dem großen Hype und einem riesigen Casting. In dieser Sendung singen Amateure Songs von bekannten polnischen Musikern, die in der Folge als Jury vor Ort sind. Als Gewinn darf der Sieger an einer Finalshow in Warschau mit den anderen Siegern der einzelnen Folgen teilnehmen. Wer dort das Finale erfolgreich verlässt bekommt dann die Möglichkeit am Festiwal Piosenki Polskiej im oberschlesischen Opole (zu deutsch Oppeln) teilzunehmen, wo namenhafte Künstler zu sehen sind und auch vier Wettbewerbe stattfinden, worunter auch einer für Debütanten fällt. Ewa trat in der Sendung mit dem Song “Za młodzi, za starzy” (Zu jung, zu alt) von Jacek Cygan auf und durfte sich in der Finalshow auf einen gemeinsamen Auftritt mit Ryszard Rynkowski, Jacek Cygan und Piotr Rubik freuen. 2006 mit 13 Jahren erschien über den tschechischen Ableger der Universal Music Group ihr erstes Album namens “Měls mě vůbec rád”, dass die Spitze der Verkaufscharts erklomm und zudem Platin einspielte. Eine Besonderheit an diesem Album war der einzige polnische Song auf dem Album namens “Tam gdzie ty”, der ein Cover von Avril Lavigne’s “I’m With You” ist. Es folgten mehrere Auszeichnungen, steigende Popularität in Tschechien und der Slowakei und 2007 das zweite Album namens “Ticho”, dass auch mit Platin ausgezeichnet wurde. 2007 fiel dann auch die Entscheidung die bereits in Tschechien bekannten Alben für den polnischen Markt anzupassen und somit auf Polnisch neu einzusingen. So erschien im selben Jahr das Debütalbum “Měls mě vůbec rád” in Polen als “Sam na Sam” (Unter vier Augen). Danach war auch die erste DVD fällig, die den Namen “Blíž ke hvězdám” trägt und ihr Konzert vom 17.06.2008 in Prag beinhaltet. Die DVD war die meistverkaufteste DVD in Tschechien des Jahres 2008. 2009 ging es auf dem polnischen Markt weiter mit der polnischen Variante von “Ticho” namens “Cicho” (Stille). “Cicho” wurde auf dem Festiwal Piosenki Polskiej im oberschlesischen Opole als Album des Jahres 2009 ausgezeichnet und der Song “Cicho” bekam den Titel polnischer Sommerhit des Jahres 2009 auf dem Sopot Hit Festiwal in Sopot. Mit “Virtuální” dem dritten Album von Ewa Farna gab es nach zwei Jahren endlich neues Material für die Tschechische Fangemeinde und dieses soll unter dem Namen “Wirtualni” (Virtuell) 2010 auch auf dem polnischen Markt erscheinen. Bis heute hat sie 12 Singles in Tschechien und 4 in Polen veröffentlicht.

Die Musik von Ewa Farna orientiert sich an Künstlerinnen wir Avril Lavigne, Kelly Clarkson oder der ehemaligen polnischen Band Virgin aus der Sängerin Dorota “Doda” Rabczewska herausgegangen ist. Es ist halt die typische Pop Rock Mischung, die diese Künstlerinnen inne haben, die man auch bei Ewa Farna wiederfinden kann. Dennoch sehe ich ihre musikalische Entwicklung sehr positiv, denn anstatt wie Avril Lavigne immer poppiger zu werden wird die Dame immer rockiger, auch wenn die Pop Elemente in diesen Songs nicht ausbleiben. Wer mit der Musik der oben genannten Damen was anfangen kann wird sicherlich was positives aus Ewas Musik ziehen. Was den Unterschied zwischen den tschechischen und polnischen Versionen angeht muss ich sagen, dass mir die polnischen Versionen ihrer Songs mehr zusagen, weil diese in meinen Ohren melodiöser klingen. Als bestes Beispiel muss ich hier den Song “Ticho” bzw. “Cicho” erwähnen, denn diese unterscheiden sich schon sehr. Klar es ist die selbe Melodie und Gesangslinie, aber nur “Cicho” bleibt mir hängen und zählt für mich als der beste Song von Ewa. “Ticho” kommt im Refrain nicht mal annähernd an die polnische Version heran. Das ist zwar nicht durchweg der Fall auf ihren Alben, aber ein Grund sich über den Fakt zu freuen, dass sie ihre Alben in zwei Sprachen veröffentlicht. Einzig das aktuelle Album “Virtuální” klingt im tschechischen Original richtig gut und macht schon Lust auf den anstehenden Vergleich mit der in diesem Jahr erscheinenden polnischen Version “Wirtualni”. Außerdem ein sehr positiver Fakt ist, dass bis heute ihre Alben immer besser geworden sind und mehr Ohrwürmer bieten als der jeweilige Vorgänger. Natürlich liegt für mich der Reiz ihrer Musik an der Tatsache, dass man sie in Polnisch und Tschechisch genießen kann, aber das ist nicht der ausschlaggebende Grund ihre Musik zu hören. Es ist natürlich ihre kraftvolle Stimme, die mit viel Druck daherkommt und vor allem in den Höhen sehr überzeugt. Auch in ruhigen Momentan kann sie mit einer ruhigen und sanften Stimme punkten.

Ich bin wirklich der Meinung, dass in der Dame noch viel mehr steckt, was sie über die Jahre aus sich heraus kitzeln kann, sofern sie nicht einen anderen musikalischen Weg einschlägt. Mit jungen 16 Jahren ist der Gipfel des Berges sicherlich noch nicht erklommen und deswegen bin ich guter Dinge, dass man noch weitere gute Alben erwarten kann mit vielen Ohrwürmern, die einen begeistern. Wer weiss vielleicht gibt es ihre Musik in Zukunft auch in Englisch. Wie oben schon erwähnt, wer auf die Musik von Avril Lavigne, Kelly Clarkson und Co. steht sollte mal schauen, ob er irgendwo die Möglichkeit findet in Ewas Alben reinzuhören. Auch jeder der auf eine charttaugliche Pop Rock Mischung steht sollte sich mit ihrer Musik befassen. Ich warte derweil auf “Wirtualni” und höre bis dahin weiter die Vorgänger.

Hörempfehlungen:
- Cicho (Ticho)
- (Toužím)
- Poznasz mnie, bo to ja (Nemám na vybranou)
- Ja chcę spać (Jen spát)
- (Maska)
- Bez ciebie (Bez tebe to zkouším)
- (Na tom záleží)
- Tam gdzie ty
- Już dorośnij! (Z bláta do louže)
- (Obrazová víla)
- (Břehy ve tmách)
- Ogień we mnie (Ponorka)
- Dokąd nas niesie (Něco nám přejte)
- Nie chcę się bać (Nebojím se)
- S.O.S! Pomocy!
- Tam gdzie nie ma dróg (Zapadlej krám)
- Zamknij oczy (Zavři oči)
- La la laj (La la laj)

In Klammern befinden sich die tschechischen Originale!

Links:
Offizielle tschechische Seite
Offizielle polnische Seite
Offizielle Myspace Seite
Offizieller YouTube Channel
Offizielle Facebook Seite

Ewa Farna – Cicho:

Ewa Farna – Ticho:

Ewa Farna – Toužím:

Ewa Farna – La La Laj:

Ewa Farna – Dmuchawce, Latawce, Wiatr:

Ewa Farna – Tam gdzie nie ma dróg:

Ewa Farna – Cicho (Sylwester w Lodzi – Live):

Die Anfänge der Band reichen bis in das Jahr 2005 oder 2006 zurück als Colleen D’Agostino (Gesang) im ihrem dritten Jahr ihres Musikstudiums an der San Diego State University zusammen mit Jon Moreaux (Gitarre) und Noah Vowles (Schlagzeug) anfing Musik zu machen. Die Arbeiten für ihr erstes Demo begannen mit dem Einstieg von Kevin Falk (Bass), der aber nach kurzer Zeit durch Brian Miller ersetzt  wurde. Dazu bekam Jon Moreaux mit Roi Elam (Gitarre) Unterstützung bei der Gitarrenarbeit. Mit diesem Lineup ging es dann auch 2007 ins Studio, um die erste EP namens “Tomorrow” einzuspielen, die sechs Songs umfasst und im September des selben Jahres auf iTunes veröffentlicht wurde. Diese EP zeigte bereits damals welches Potenzial in der Band steckt und woran der Reiz an ihrer Musik festzumachen ist. Dies brachte ihnen über die Jahre mit der einen oder anderen Tour nicht nur den dritten Platz in MTV 2′s Dew Circuit Breakout ein, sondern auch die Aufnahme ihres Songs “Moving To Seattle” in den Download Content des Videospiel “Rock Band” und die Verwendung ihrer Songs in der MTV Serie “The Hills” und der Webserie “Sorority Forever” auf TheWB.com. In dieser Zeit wurde als neuer Bassist Dustin Sherron vorgestellt, der somit das aktuelle Lineup komplett machte. 2009 ging es für den flotten Fünfer aus San Diego wieder ins Studio, um die drei Songs umfassende EP “To Weather The Storm” aufzunehmen und am 16.06.2009 als digitalen Download per iTunes und Amazon unters Volk zu bringen. Zwar liefer die EP nur drei Songs, aber dafür zwei sehr gute Ohrwürmer namens “Unforgivable” und “Give It All Back”, die für mich zu den besten Songs der Band gehören. Danach ging es für die Band nach Portland, Oregon, um neues Material zu schreiben. Aktuell bereist die Band sporadisch die Lande, plant ihre Frühjahrstour und die Veröffentlichung des ersten Albums. Man kann also gespannt sein!

In Sachen Musik toben sich The Material im Bereich Alternative Rock und Post-Punk aus, wobei ich in dieser Mischung auch ein wenig Pop-Punk herausschmecke und man ihnen die Ähnlichkeit zu VersaEmerge und Paramore nicht absprechen kann. Somit ist klar, dass The Material einiges bietet, um durch den Raum zu springen oder den Kopf im Takt zu wippen. Denn wenn die Dame und Herren mal in die Saiten hauen, dann reissen sie einen mit und das ohne Rücksicht auf Verluste. Den besonderen Reiz macht aber für mich in erster Linie die Kombination aus guten Riffs und dem Gesang von Colleen D’Agostino aus, denn sie klingt im Direktvergleich mit den Sängerinnen der bereits genannten Bands um einiges höher und hat somit einen ganz anderen Charme inne. Schließlich liefert sie eine komplett andere Klangfarbe ab, was zu den Songs von The Material wie die Faust aufs Auge passt. Sind es die ersten Zeilen von “The Promise”, der Refrain von “The Truth About Reality” oder “Unforgivable” oder die wundervollen ruhigen Passagen wie im Song “Give It All Back” ihre Stimmte gibt diesen Stellen einen Reiz dem ich mich nicht entziehen kann. Generell klingt ihr Gesang sehr gut und überzeugt durchweg, aber diese Songs und Momente gehören zu den Highlights des aktuellen Schaffenswerks dieser Band. Zwar hauen mich nicht alle Songs von Anfang bis Ende aus dem Hocker, was ganz selten zu einem Hangeln von Moment zu Moment führt, aber dennoch bin ich sehr angetan von der Band und hoffe, dass sie ihren Weg weiter geht und eventuell die eine oder andere Ballade mehr in ihr Programm aufnimmt. Von mir aus kann es auch eine reine Akustik-Ballade sein, denn dort wird D’Agostinos Gesang sicherlich strahlen und verzaubern.

Im Ganzen ist The Material eine Band, die man weiterhin im Auge behalten sollte, denn sie ist bereits jetzt ein Geheimtipp und kann sogar mit ein wenig Feinschliff zu einem wahren Highlight werden. Dafür hat sie bereits einige gute Songs und Ohrwürmer mit guten Riffs und einer charmanten Stimme im Gepäck, die einen mitreissen und sich nicht so schnell abnutzen. Wenn davon noch mehr in Zukunft entstehen und letzten Endes auch das erste Album füllen, werden sie sicherlich ganz oben mit den größeren Bands schwimmen und wir werden eventuell auch auf unseren heimischen Sendern was von ihnen zu sehen und natürlich auch zu hören bekommen. Ich drücke ihnen auf jeden Fall die Daumen und warte bereits jetzt schon gespannt auf neues Material von The Material.

Hörempfehlungen:
- Unforgivable
- Give It All Back
- The Truth About Reality
- The Promise
- With One Voice
- Moving To Seattle
- No One Has To Know
- The Long Way Home
- Before This Ship Goes Down

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Colleen D’Agostino’s Twitter Account
Jon Moreaux’s Twitter Account
Noah Vowles’ Twitter Account
Roi Elam’s Twitter Account
Dustin Sherron’s Twitter Account

The Material – The Truth About Reality:

The Material – The Promise (Live):

The Material – Moving To Seattle (Live):

The Material – No One Has To Know (Live):

The Material – Moving To Seattle (Rock Band / Live):

Mein Weg mit der Musik der damals fünfköpfigen Band began im Juni 2003. Schon damals hielt ich oft Ausschau nach hier unbekannten Bands, die früher oder später ein heißes Eisen in meinem Freundeskreis sein könnten. Dabei stieß ich nicht nur über die Jahre auf Bands wie Cold, Boy Hits Car, Burn Season, Allele, Finger Eleven, Motograter, Nothingface, Pressure 4-5, Pumpjack, Default, Dry Kill Logic, Miseryhead, Submersed, Ra, Stereomud, Sevendust und viele viele andere, sondern auch auf Revis und das durch ein Video Werbebanner zur Single “Seven”. Der Song war direkt nach wenigen Sekunden als Ohrwurm gebranntmarkt und das Album musste her und zwar schnell! Von da an lief nichts anderes mehr in meiner Anlage, sodass ich mich noch gut daran erinnern kann wie ich und ein Kollege das Album direkt mehrmals hörten, bevor wir den Weg zu unserem Abiball antraten samt Begleitung und auch Monate später bei meiner privaten Weihnachtsfeier bei mir, kein anderes Album die Feier begleitete. Seitdem höre ich das Album mindestens 5-10 Mal im Jahr, weil es mit zu den besten Alben aller Zeiten für mich gehört.

Die Anfänge der Band gehen bis ins Jahr 1999 zurück, wo sich fünf Herren zusammenschlossen, um als Orco die Bühnen der Welt zu erobern und Anfang 2000 die heimischen Clubs bespielte. Nach einem Bassistenwechsel ging es gestärkt durch die lokale Anhängerschaft ab nach Los Angeles im Juli 2001. Dadurch war das finale Line-Up komplett und bestand bis zum bitteren Ende aus Justin Holman (Gesang), Robert Davis (Gitarre), Nathaniel Cox (Gitarre), Bob Thiemann (Bass) und David Piribauer (Schlagzeug). In L.A. verlief es weniger schön für die Herren, denn sie verloren schnell ihre Bleibe in L.A. und ihr damaliger Manager war nicht so zuverlässig wie man sich dachte. Durch den neuen Manager John Zagata kam Leben in die Runde und die Band nahm mit den Produzenten Tommy Hendrickson und Jeff Tilson ein Demo auf, dass die Songs “A Gift,” “Seven,” und “Straight Jacket Labels” umfasste und positiv von Plattenfirmen aufgenommen wurde. Durch den aufkommenden Erfolg folgten direkt zwei weitere Aufnahmen – die Demos von “Caught In The Rain” und “Spin”. Der Januar im Jahre 2002 brachte auch das Ergebnis des Erfolgs, denn sie unterschieben bei Epic Records, um ihr Debütalbum aufzunehmen. Neben einigen Demosongs wurden während den fünf Aufnahmenwochen auch einige neue Songs geschrieben. Zudem musste die Band auch noch ihren Namen in Revis umändern, da bereits eine andere Band seit Jahren diesen Namen ihr Eigen nannte. Der Name der Band Revis kommt von einem ihrer engsten Freunde und Gitarrentechniker Jason Revis, der unbezahlt seit der Gründung ihnen zur Seite stand. Am 20.05.2003 war dann so weit, denn mit “Places For Breathing” wurde ihr Debütalbum veröffentlicht und in ihrer Heimatstadt wurde der 19.05.2003 zum offiziellen Revis Day erklärt. Das Album debütierte auf Platz 1 der Billboard’s Heatseekers Charts und erreichte als Höchstplatzierung in den Billboard Top 200 Platz 115. Ihre einzigen Singles “Caught In The Rain”, der auch auf dem Daredevil Soundtrack zu finden ist, und “Seven” wurden zu Radio Rock Hits und wurden zudem durch Touren mit Oleander, Pearl Jam, Evanescence, Fuel, und Cold, um so öfter gespielt. 2004 folgte das zweite Demo und leider auch das Ende bei Epic Records und auch mit ihrem kompletten Management im Rücken, trotz steigender Popularität. Sänger Holman sieht als Hauptgründe für diesen Schritt schlechtes Management und die Fusion von BMG und Sony. Davis und Piribauer stiegen kurze Zeit danach bei der Band Hensley ein, während Holman und Cox nach Illinois zurückkehrten, um dort neues Material für Revis zu schreiben. Im August 2005 bestätigte Holman, dass er und Produzent Tommy Hendrickson bereits an 12 – 15 Songs mit Namen wie “New Ways”, “Red Letter Day” und “Taste In The Flash” arbeiteten und zudem Ungewissheit herrschte in Sachen einer neuen Plattenfirma oder anstehender Konzerte. Das Ende für die Band wurde kurze Zeit später bestätigt. Seitdem waren Davis und Cox in der Band Maryandi, die später in The Yelling umbenannt wurde, Thiemann in den Bands TJ Brown, Chalk Buddah und einigen weiteren lokalen Bands und Holman in Aujalyn (Echt zu empfehlen!) aktiv.

Was die Musik von Revis angeht muss ich schon gestehen, dass diese nichts besonderes ist, wenn man sich vor Augen hält, dass sie mit der Richtung Post-Grunge zu einem großen Pool von Bands wie Creed, Nickelback, Theory Of A Deadman, Puddle Of Mudd, Staind, 3 Doors Down, Cold oder Three Days Grace gehören. Der Unterschied ist aber, dass sie mit ihrem ersten und einzigen Album ein für mich perfektes Album abgeliefert hat, was nach Stunden und Jahren des Hörens sich noch nicht ausgelutscht hat und noch heute voller Energie strahl, wie es am Tag meines Kaufs tat. Es ist wie ein Best Of der genannten Bands und das Ganze nochmal hoch zwei, denn wir wissen ja, ein guter Nickelback Song funktioniert immer und das auch bei der tausendsten Kopie. Auch das Mischverhältnis aus ruhigen und rockigen Stellen ist nahezu identisch, aber es liegt in den Song ein gewisses Etwas, dass mich immer wieder vom Neuen begeistert und mich in seinen Bann zieht. Es fällt mir wirklich schwer zu beschreiben, was für mich den Reiz an dieser Band ausmacht. Ist es der gut klingende und sehr passende Gesang von Justin Holman oder die rote Linie aus Ohrwürmern, die sich durch das Album zieht von Anfang bis Ende oder das gut abgestimmte Verhältnis aus ruhigen und rockigen Parts? Ich weiss es echt nicht, aber eins ist für mich seit Jahren klar: Das Album gehört zu den besten Alben aller Zeiten, die ich bis heute gehört habe und das sage ich voller Überzeugung. Das Album lässt mich nicht nur die Augen schließen, um es zu genißen, sondern auch mit förmlich jede Zeile vor Begeisterung mitschreien naja mitsingen und dieses besondere Etwas ist eine wahre Seltenheit, die ich gerne öfter auskosten möchte. Deswegen ist es so schade, dass die Band nach dem ersten Highlight keine weitere Zukunft hatte.

Ein wirkliches Fazit muss ich wohl nicht mehr ziehen, weil noch höher kann ich eine Band und ihr Album nicht loben, aber ich kann sagen, wie einige Demos für das erste als auch das zweite Album klingen. Denn diese tauchen komischerweise seit 2007 vermehrt auf YouTube auf, mit Ankündigungen, dass eventuell mehr kommt und vielleicht noch eine Überraschung für Fans der Band ansteht. Fünf Songs wurden bereits veröffentlicht und ich muss sagen, dass diese bis auf zwei Ausnahmen wirklich gut klingen, auch wenn vermutlich durch den Demo Status der strahlende Funken, den die Band ausmacht, dort zu kurz und die Energie mit leicht angezogener Handbremse daher kommt. Da dies Demos sind kann ich schlecht sagen, ob das zweite Album genauso klasse ausgefallen wäre, wie es beim Debütalbum der Fall gewesen ist. Gewünscht hätte ich es mit aber.

So hier endet nun die musikalische Reise des lachenden Vagabunden und er bedankt sich bei allen, die ihm bei dieser Reise begleitet haben, um die tolle und stellenweise noch unbekannte Welt der Musik da draußen kennenzulernen. Wenn ihr mit den 13 Teilen was anfangen könntet wird er sich sicherlich darüber freuen, auch wenn es am Ende nur das kurze rein Hören war. Ob er euch auch nächstes Jahr mit solch einer Serie beglücken wird steht noch nicht fest, aber ich vermute er zappelt jetzt schon voller Freude euch seine Musik aus allen Ecken des Globus oder aus der für euch unbekannten Musikgeschichte zu präsentieren. Von daher wird man sicherlich nächstes Jahr noch hier und dort von ihm hören. Wann kann ich euch nicht sagen, aber wenn was kommt werdet ihr es hier erfahren. In diesem Sinne goodbye and see you!

Hörempfehlungen:
- Straight Jacket Labels
- Spin
- Caught In The Rain
- Look Right Through Me
- Seven
- Your Wall
- Living Rooms
- From That Point On
- Everything After
- Re Use
- A Gift
- Places For Breathing
- City Beneath
- New Ways
- Hollow Days
- Red Letter Day

Links:
Offizielle MySpace Seite

Revis – Caught In The Rain:

Revis – Seven:

Revis – Straight Jacket Labels (Live):

Revis – From That Point On:

Revis – New Ways:

Revis – Red Letter Day:

Nylithia – Super Mario Castle Theme (Cover):